La edición de fotografías en sí misma es un arte. Es lo que ha hecho legendarios a tantos grandes fotógrafos. La capacidad de tomar los límites de una representación bidimensional de un mundo tridimensional, plasmarlo en un tipo de película o sensor digital y luego, y solo entonces, crear la imagen a su gusto.
De hecho, es un arte, lo que plantea la pregunta: ¿dónde está la línea trazada para demasiada edición?
Como el arte y cómo definirlo, esa respuesta no es sencilla. Cada uno de nosotros tiene nuestra interpretación, pero echemos un vistazo a algunos parámetros. Hay tres preguntas que quizás desee hacerse la próxima vez que se sumerja para editar sus imágenes.
Cual es mi intencion
En los días del cine, tenías que tener intención. Incluso si su intención era "perder el tiempo y aprender algunas cosas", se dio cuenta de que ese aprendizaje tenía un costo directo. Ese costo fue película, papel, soluciones químicas y tiempo, además, dinero.
Ahora, experimentar es tan fácil que cualquier niño con un iPhone puede hacerlo. Creo que eso es bueno. Experimentar es una parte vital de la expresión artística y es especialmente cierto en la edición de fotografías.
Tener la intención es importante cuando se combina con la experimentación si espera aprender, crecer y progresar.
La intención te permite saber cuando tu experimentación va demasiado lejos y tus ediciones son demasiadas. La intención es una guía maravillosa, con mucha libertad si se la concede.
Mi sugerencia aquí es tener intención con su experimentación de edición. Sepa lo que espera ganar con la experimentación y tenga una dirección general.
¿Me he mantenido fiel a mi visión?
La visión es donde te lleva tu intención. Tener una visión artística ayuda a poner límites en su trabajo que a menudo se necesitan, para que no todo se convierta en un caos.
Tal vez la visión de un fotógrafo de retratos sea retratar a cada sujeto de una manera tenue con una iluminación suave y detalles duros. Quieren mostrar ese lado de cada tema, y eso lleva a su intención, una y otra vez. Es repetible.
Esta es una edición que el autor ahora admite que fue demasiada edición, incluso si fue divertida en ese momento.
Alternativamente, tal vez sea un fotógrafo de paisajes que visualiza su trabajo como una descripción veraz de lo que experimentó, no como un `` mundo perfecto '' imaginativo. Se esfuerza en recrear la escena cuando está de vuelta en su computadora y emplea herramientas para su visión final.
Sin tener una visión de lo que quiere producir, es fácil dejarse llevar por el canto de sirena de herramientas de edición realmente geniales que lo empujan hacia las rocas de la ruina de la edición.
¿Es esto sostenible?
No quiero decir que todo el arte, todas las formas de edición que elijas, deben durar para siempre. Todos pasamos por fases. Esto me impactó más profundamente en un viaje a Barcelona recientemente y en una revisión de la obra de Goya a lo largo de las décadas que pintó.
En primer lugar, estaban las primeras etapas de la carrera de Goya, en las que exigía una reproducción al estilo francés e italiano. Estos fueron los más importantes. Hermosos retratos!
Luego, más tarde, tuvo un estilo más simplista. Lleno de colores fáciles y una interpretación más laxa del mundo que lo rodea con todos sus jugadores.
En una de las últimas salas se exhibían exposiciones de la "época negra" de Goya. Tonos oscuros y carbón, y escenas espantosas de penurias. Nada parecido a lo que había estado produciendo antes.
La mayoría de nosotros pasamos por períodos. Eso no descalifica instantáneamente a ninguno de ellos como arte (en un sentido de edición), pero nos da un buen espejo.
Somos nuestro propio crítico más severo, y solo nosotros podemos mirar hacia atrás en el trabajo que hicimos hace uno, cinco o veinte años y considerarlo arte o no. Si vemos un estilo, un hilo conductor que recorre todas nuestras obras, es fácil decir que hemos creado arte. Sin embargo, si descubrimos a través del tiempo y la distancia que algo que pensamos que eran las rodillas de la abeja es ahora, para nuestros ojos más experimentados, basura, podemos dejarlo de lado.
La locura del HDR como ejemplo
Hace algunos años, cuando la fotografía digital se estaba imponiendo entre las masas, llegó la locura del HDR. Era un momento en el que cualquiera podía usar una técnica particular para lograr lo que se conoce como imágenes de alto rango dinámico (HDR).
Para algunos, fue una salida divertida de su rutina normal. Otros lo vieron como una oportunidad para mostrar todo en una escena; tal vez no sea lo mismo que vieron sus ojos, pero mejor que la alternativa.
A algunos de nosotros nos revolvía el estómago cada vez que veíamos una de esas fotos.
Era nuevo y era novedoso. Además, no encajaba en las visiones de muchos fotógrafos. Hoy en día, es difícil encontrar ejemplos de esos primeros intentos que aún se reproducen. No fue sostenible.
Aunque fue divertido por un tiempo. Especialmente para aquellos que disfrutaron de la salida de la realidad.
Profesaría que fue un caso de demasiada edición y que probablemente desapareció debido a eso.
Conclusión
Si bien decidir qué dicta demasiada edición es subjetivo para el espectador y su experiencia, espero que las preguntas que planteé anteriormente te sirvan de guía en tus esfuerzos futuros.
No estoy aquí para juzgar su trabajo o para decir que podría estar equivocado. Esa voz, y lo que tu arte significa para ti, debe venir de tu interior.
Desarrolle su visión. Mantente fiel a ella. Enfoca tu intención hacia eso. Entonces apenas tendrá que preocuparse si ha ido demasiado lejos en su trabajo de edición.