Antes de que tú o yo cogiéramos una cámara, nuestros antepasados (y madres) fotográficos estaban disparando, aprendiendo y abriendo nuevos senderos para que los siguiéramos. Siempre me ha reconfortado ese hecho. Saber que somos parte de una larga lista de fotógrafos y creadores de imágenes debería darnos un sentido de orgullo. Con pura voluntad y determinación, trabajaron en tiempos difíciles, fracasos y, a veces, controversias para darnos una ventaja increíble para convertirnos en mejores fotógrafos.
Irónicamente, muchos de estos gigantes de la fotografía, como la mayoría de personas de gran influencia, no empezaron a serlo al principio de sus carreras. Muchos simplemente necesitaban un trabajo, otros necesitaban una salida para sus inclinaciones artísticas, y aún otros… bueno, habían fallado en lo que inicialmente querían convertirse.
En esta edición de lo que he venido a llamar cariñosamente, The Master's Series, veremos a dos grandes fotógrafos que no obtuvieron su fama fácilmente. Aprenderá de su sabiduría ganada con esfuerzo algunos consejos que pueden ayudarlo a mejorar su propia fotografía.
Robert Capa
Capa de Gerda Taro
Robert Capa, que nació en este mundo con el nombre de Endre Friedmann, fue un fotógrafo y reportero gráfico húngaro. Su pasión era dar fotografía de guerra a las masas de una manera cercana y personal que nunca antes se había visto. Nació en octubre de 1913 y conoció su prematuro final el 25 de mayo de 1954. En esos 41 años Capa tomó fotografías en el fragor de la batalla durante cinco guerras. Su trabajo definió virtualmente la imagen que tenemos de la Segunda Guerra Mundial, incluida la invasión de Normandía desde el frente de la playa de Omaha.
En 1947, Capa formó parte de un grupo de fotógrafos que se unieron en París para formar Magnum Photos. Entre los miembros del grupo se encontraban grandes como Henri Cartier-Bresson, George Rodger, David “Chim” Seymour y William Vandivert. Magnum se convertiría en la primera agencia mundial de fotógrafos y reporteros gráficos independientes.
Lecciones que puede aprender de Robert Capa
Colóquese para la toma
Aumente sus posibilidades de hacer mejores fotos colocándose en una posición para hacerlas. Cuando digo "mejor posición" me refiero a esto tanto en sentido figurado como literalmente. Capa era famoso por decir: "Si tus fotos no son lo suficientemente buenas, no estás lo suficientemente cerca". Capa era conocido por ser intrépido y se metía en la acción para hacer sus fotografías. En verdad, como pauta general, acercarse al sujeto puede mejorar no solo la calidad de una imagen, sino también aumentar su impacto visual en el espectador.
Dicho esto, ponerse en condiciones de producir un mejor trabajo también significa que debe saber qué fotografía está tratando de capturar. Venga preparado para hacer la fotografía, es decir, la lente, el trípode, los permisos adecuados, etc. Por último, asegúrese de saber lo que debe hacerse para lograr una exposición al máximo de su potencial.
Promuévete creativamente
¿Por qué Andre Friedmann dejó de ser Andre Friedmann y se convirtió en Robert Capa? La respuesta es simplemente un mejor marketing. Si eres del tipo excepcionalmente lingüístico, es posible que hayas notado que Capa es la palabra húngara para tiburón. Cuando Capa era niño, ese fue el apodo que le dieron sus amigos. Verá, Capa no estaba recibiendo mucha atención bajo su nombre de pila, por lo que se inventó una nueva persona como fachada para su trabajo. Esta nueva personalidad era la del famoso pero totalmente ficticio fotógrafo estadounidense Robert Capa, que supuestamente estaba de gira por Europa en ese momento. A los clientes les encantó. Pronto el trabajo comenzó a llover y Capa estaba en camino de convertirse en una leyenda de la fotografía.
Esto no significa que debas dejar de ser tú mismo para tener más éxito como fotógrafo. Simplemente significa que a veces necesitas poner un poco de creatividad cuando te estás vendiendo como artista. En cierto modo, trabaje para fabricar su propia identidad como fotógrafo. Cultiva tu propio estilo. Asegúrese de mostrar solo su mejor trabajo. Cuente la historia de la foto en lugar de simplemente mostrarla. Sea carismático y acogedor con sus clientes y no tenga miedo de hablar favorablemente (no jactarse) de usted mismo y de su trabajo.
No siempre te obsesiones con la perfección técnica
Esta puede ser una tarea muy difícil de dominar. Es fácil quedar atrapado en conseguir la apertura correcta o asegurarse de que no haya demasiado grano con ese ISO. Cuando se trata de imágenes de fotoperiodismo, como la fotografía callejera, las emociones y el estado de ánimo de una escena o sujeto deben llamar su atención principal. En la cantidad de tiempo que podría tomar modificar ese enfoque, el momento puede pasar. Lo importante es que te enseñes a ti mismo que una buena exposición de un gran momento, casi siempre triunfará sobre una gran exposición de una escena mediocre.
Esta toma podría haberse enfocado mejor, pero podría haber perdido la mirada de concentración.
Asesora a los que quieren aprender
Esto es muy importante, y quizás una de las cosas más importantes que puede aprender de Robert Capa para ayudarlo a crecer como fotógrafo. Capa reconoció que la fotografía nunca avanzaría si no llegaban nuevos fotógrafos que ocuparan su lugar y el de sus colegas cuando hubiera pasado su tiempo. Así que dedicó una buena parte de su tiempo a trabajar en red con otros fotógrafos y enseñarles el oficio.
Cuando eres un mentor o te dedicas a ayudar a un nuevo fotógrafo a mejorar, quizás, sin saberlo, estás teniendo un enorme impacto en el arte de la fotografía. La apreciación de la transmisión de los principios y técnicas fotográficas es posiblemente la mayor contribución que un fotógrafo puede hacer al mundo.
Jerry Uelsmann
Imagen cortesía de la Universidad de Indiana
Decir que este próximo fotógrafo es un individuo interesante es a la vez exacto y, al mismo tiempo, una descripción rotundamente inadecuada. Jerry Uelsmann, nacido el 11 de junio de 1934 en Detroit, es uno de esos grandes artistas que pasa por debajo del radar de la corriente principal, pero cuyo trabajo es verdaderamente único e inspirador. Como muchos, su ascenso en el mundo de la fotografía fue lento y laborioso. Descubrió la fotografía cuando era adolescente. Él mismo admitió que creía que al hacer fotos podía vivir fuera de sí mismo y residir en un mundo de su propia creación.
Eventualmente obtendría títulos de varias universidades y finalmente se encontró enseñando fotografía en la Universidad de Florida a principios de la década de 1960. Su carrera se inició en 1967 cuando consiguió una exposición fotográfica individual en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York.
Jerry comenzó su trabajo unos treinta años antes de la llegada del software de edición de fotografías como Photoshop. Saltó a la fama a través de su producción de fotografías en blanco y negro altamente surrealistas y manipuladas. Hizo todo en el cuarto oscuro, usando muchos negativos diferentes con hasta doce ampliadoras, que luego literalmente “superpuso” uno encima del otro para crear su producto terminado. Muchas de sus imágenes combinan elementos del mundo natural, así como representaciones humanistas y objetos hechos por el hombre.
Lecciones que puede aprender de Jerry Uelsmann
No tenga miedo de post-visualizar
Si recién está comenzando en la fotografía, es probable que haya escuchado algunas frases clave mencionadas una y otra vez. Uno de los más importantes es el de la visualización previa. A los profesores y escritores (incluido yo mismo) les encanta verbalizar o escribir analogías poéticas sobre lo que significa "ver" una imagen antes de que se suelte el obturador. Lo que se quiere decir con esto es que puede aprender a componer, enmarcar y procesar mentalmente una fotografía antes de que se haga. Hacer fotografías se vuelve mucho más satisfactorio una vez que haya logrado desarrollar esta habilidad fotográfica difícil pero esencial.
La otra cara de esa moneda es algo de lo que rara vez se habla, pero no obstante es interesante y estimulante. De lo que estamos hablando aquí es del acto de post-visualización. Esto puede considerarse exactamente lo contrario de visualizar previamente una fotografía, pero no es exactamente tan fácil. Uelsmann es literalmente el maestro original de este proceso. Fotografió distintos objetos y escenas, con la expresa intención de realizar posteriormente una obra acabada que mezcle elementos de cada uno. Esencialmente, vio la fotografía completa después de haber producido una serie de imágenes que de otro modo no estarían relacionadas.
Pruebe la visualización posterior por sí mismo. Revise algunas de sus imágenes antiguas y vea si el paso del tiempo le ayuda a mirarlas de una manera nueva. Busque diferentes recortes que puedan fortalecer la imagen. Vea si una imagen puede funcionar bien en blanco y negro y experimente con las sombras. Modifica el balance de blancos y cambia por completo el estado de ánimo de una foto. Eso es realmente todo lo que es la post-visualización; mirar algo que ya existe y ver en qué más podría convertirse.
Una imagen que hice hace más de cuatro años.
Aquí lo vemos de una manera completamente diferente después de un reciente procesamiento creativo.
Cumpla su visión
Mantente fiel a tu visión. Esa es la frase clave que debes sacar de este punto. Uelsmann produjo imágenes difíciles de entender para algunos. No fueron fácilmente aceptadas, y las técnicas que usó fueron vistas por algunos como nada más que un engaño. Aún así, produjo las imágenes que quería independientemente de la manipulación que tuviera que hacer en el cuarto oscuro.
Haz lo que tengas que hacer. Ya sea posprocesamiento, filtros, bordes originales, selección de colores extraños, cualquier cosa. Puede que no sea del agrado de todos, pero esa es la belleza de la fotografía. Haga lo que sea necesario para lograr la imagen que se propuso hacer.
Fracasarás, pero no eres un fracaso.
Jerry Uelsmann es un caso clásico de alguien que se negó a darse por vencido. Siguió intentándolo a pesar de sus dificultades iniciales en la escuela y la escasa aceptación de sus primeros trabajos. En lugar de cerrar las puertas de su cuarto oscuro para siempre, decidió seguir adelante. Hacer imágenes que lo conmovieran era su objetivo y no dejaba que la fricción de la vida lo detuviera.
La naturaleza misma de su trabajo, que al principio era desagradable, comenzó a ser lo que la gente llegó a amar. Entonces, si está atascado en un proyecto, tiene problemas con un cliente, o incluso si su cámara parece no poder aprender, recuerde continuar. Nada que valga la pena hacer nunca fue fácil.