Fotografiar obras de arte puede parecer una tarea sencilla, pero a menudo es difícil hacerlo bien. Hay obstáculos técnicos que superar, como lograr una exposición uniforme, evitar reflejos, enfocar con precisión, elegir la apertura correcta, etc. En este artículo, te daré algunos consejos sobre cómo fotografiar obras de arte que facilitan mucho el proceso.
Detalle de "La novena ola" (1850) de Ivan Aivazovsky. Museo Ruso, San Petersburgo.
Consejos para fotografiar obras de arte
Los consejos que estoy a punto de dar se relacionan principalmente con el arte en 2D, es decir, pinturas, dibujos o impresiones en cualquier forma que vengan. He fotografiado la mayoría de ellos, desde grandes pinturas al óleo en museos nacionales hasta ilustraciones de periódicos antiguos en casa.
También daré algunos consejos sobre cómo fotografiar esculturas. Crear imágenes exitosas de arte 3D no siempre es sencillo.
Balance de blancos
Al fotografiar obras de arte, el balance de blancos no es objetivo: hay que tomar una decisión creativa. ¿Quieres conservar el color del arte tal como lo ves o deberías neutralizarlo y hacer que los blancos sean blancos? ¿Serás historiador o restaurador?
Pude restaurar la blancura y el color original en este periódico victoriano con un solo clic, pero usando una tarjeta gris, he reproducido su estado de 125 años. La iluminación es luz diurna cenital.
El papel y la pintura tienden a decolorarse con el tiempo, por lo general con un color amarillento. Por lo tanto, debe decidir si desea copiar lo que ve o retroceder el reloj. Eso es asumiendo que está en lo correcto en sus suposiciones sobre el color original.
Para "corregir" el balance de blancos, existen dos enfoques principales:
- Para hacer que los blancos parezcan blancos: elija un área dentro de la obra de arte que deba ser de tono neutro, preferiblemente un gris medio, si existe. Al hacer clic en esta área con una herramienta de balance de blancos, igualará los valores RGB y, con un poco de suerte, corregirá el color en el resto de la imagen. Los problemas surgen cuando la obra de arte ha envejecido más en algunos lugares que en otros, lo que tiende a crear feas manchas amarillas cuando se realiza un ajuste de balance de blancos.
- Para preservar los signos del envejecimiento: use una tarjeta gris para corregir la luz que ilumina el arte, que mantiene el color existente de la obra de arte, incluidos los signos del envejecimiento. Todavía habrá un ligero cambio de color ya que la apariencia de todos los objetos se ve afectada por la luz bajo la que caen. Pero conservará la apariencia general de la edad. Siempre puede calentar un poco la foto si desea enfatizar el aspecto antiguo.
Una tercera opción, si no tiene tonos neutros en la imagen ni ninguna tarjeta gris, es jugar con la temperatura del color y los controles deslizantes de tinte hasta que crea que el balance de blancos es correcto. Sin embargo, corregir el color a simple vista es impredecible y nunca es tan preciso como usar números.
Una cosa que sabemos sobre la nieve es que se ve mejor en blanco. La iluminación artificial y / o el envejecimiento hacen que esta pintura salga amarilla en una foto. Una herramienta de balance de blancos lo restaura rápidamente, aunque es difícil saber siempre cómo se veía una pintura cuando estaba fresca. Artista: Ferdinand Schmidt (c1900), Museo La Piscine, Roubaix.
La fuente de luz marca una gran diferencia en el balance de blancos. Evite la iluminación mixta si puede. En los museos, no es frecuente encontrar pinturas bajo fuentes de luz mixtas, pero no ocurre lo mismo con la escultura. Una mezcla de luz artificial cálida y luz de ventana produce fuertes tonalidades de color naranja o azul en áreas locales de la imagen. Esto puede ser difícil de manejar en el posprocesamiento.
Los museos de arte no tienden a exhibir pinturas con iluminación mixta, pero es posible que encuentre esculturas cerca de una ventana. Eso a menudo dará como resultado reflejos azules y sombras naranjas. Escultura: Epicuro y Metrodoro, Museo del Louvre.
Corrección de color, perfiles DNG, fuentes de luz
Hemos hablado de corregir el balance de blancos al fotografiar obras de arte, pero puedes llevar la corrección de color más allá. También puede corregir las características de la fuente de luz.
Las fuentes de luz fluorescente y LED son más eficientes energéticamente que las luces de filamento viejas y no transmiten calor al exterior. La iluminación LED es ahora muy común en los museos de arte. Y, sin embargo, su luz es de menor calidad desde el punto de vista fotográfico que la halógena.
Las fuentes de luz modernas emiten un espectro discontinuo o de banda estrecha, lo que significa que reproducen colores de manera inconsistente y, a veces, no en absoluto en todo el espectro visible.
Los museos de arte y las galerías utilizan una fuente de luz para iluminar las pinturas. Puede ser luz difusa en el techo o focos en un sistema de iluminación de riel. Foto de Riccardo Bresciani en Pexels
Hasta cierto punto, puede juzgar la calidad de las luces LED / fluorescentes por su clasificación CRI. Necesita más de 90 si los está comprando, pero una calificación alta no los hace iguales a las fuentes de luz tradicionales. La prueba CRI es una prueba indulgente y no estandarizada que utiliza algunos parches de color, por lo que la diferencia entre el 95% y el 100% es mayor de lo que sugieren los números. Las lámparas incandescentes y halógenas obtienen una puntuación del 100% por defecto.
Una forma en la que puede mejorar el color de sus fotografías al realizar obras de arte con fuentes de luz modernas es crear un perfil DNG. Para ello, utiliza un producto como X-Rite Color Checker y el software X-Rite o Adobe. A continuación, aplica este perfil en la etapa de conversión sin formato si el software lo admite.
Esta página de un antiguo libro de historia de la Primera Guerra Mundial está claramente iluminada desde la derecha. Tenga en cuenta que el X-Rite Color Checker incluye parches neutros para corregir el balance de blancos, así como parches de color para perfiles DNG.
Si intenta corregir la iluminación LED o fluorescente a simple vista, es probable que necesite el control deslizante "tinte" en los convertidores sin procesar. Estas fuentes de luz varían mucho en su salida a lo largo de un eje verde a magenta. Las lámparas de filamento viejas no se comportan de la misma manera: su salida siempre se encuentra en la escala Kelvin naranja-azul.
Luz de ventana: pros y contras
Este viejo anuncio estaba expuesto en el exterior. Aunque la temperatura de color de la luz del día varía, ninguna otra fuente de luz muestra el color de forma tan completa en todo el espectro visible. Museo KattenKabinet, Amsterdam.
Nunca vencerás a la luz del día por su capacidad para mostrar todos los colores del espectro visible con poco sesgo. Es una fuente de luz ideal para el arte. El único problema es que no puedes controlarlo muy bien. Si usa la luz de una ventana para fotografiar una obra de arte, es probable que la exposición sea desigual de un lado a otro. Puede haber una parada o más diferencia. Puede reducir esto a aproximadamente media parada o menos si usa un reflector.
Por supuesto, puede igualar la exposición en el posprocesamiento. Una cosa que puede hacer es fotografiar una tarjeta en blanco o un trozo de papel blanco bajo la misma luz, lo que hace que la exposición desigual sea obvia cuando la ve en la computadora. Utilice lo que ve allí para corregir otras fotos de la sesión.
Si fotografía una postal a la luz de la ventana, darle la vuelta hace que la exposición desigual sea más obvia. La derecha de esta foto es un 25% más brillante que la izquierda.
Utilice pinceles de ajuste, capas y máscaras de capa o un filtro de densidad neutra graduado para corregir la exposición desigual en una imagen. Los ajustes locales en la imagen como los que se encuentran en DxO PhotoLab son buenos. Un filtro graduado es una forma suave de lidiar con él, pero puede usar pinceles con mucho difuminado con la misma facilidad.
Perspectiva: posicionar el arte para una foto
Al fotografiar una obra de arte en 2D, colóquela plana contra una pared o mesa e intente alinear perfectamente el sensor de la cámara con ella. De lo contrario, verá el mismo efecto de "distorsión trapezoidal" que obtiene con la arquitectura, donde las líneas verticales divergen. El tema de la técnica se distorsionará ligeramente si lo toma en ángulo, aunque no siempre en un grado que cualquiera pueda notar.
Una forma de alinear una cámara con el arte es usar un nivel de burbuja en ambos. Pruebe la superficie sobre la que se apoya el arte para ver si está nivelada, haciendo ajustes con accesorios si es necesario (al igual que lo haría con una pata de mesa en un piso irregular). Haz lo mismo con la cámara, usando un nivel de burbuja en la zapata o descansando sobre una parte plana de la cámara en un trípode. No es necesario que tenga un aspecto profesional si funciona.
Idealmente, desea que la cámara esté nivelada con el centro de la imagen al fotografiar arte. No me ha ido mal con esta toma de mano, aunque está un poco torcida hacia la derecha (las pinturas montadas en la pared pueden inclinarse ligeramente en la parte superior). La corrección será moderada. Artista: Lucien Jonas (1880-1947), Museo La Piscine, Roubaix.
Los niveles de burbuja varían en su precisión, pero pronto verá si su método funciona o no con ilustraciones rectangulares. Si lo hace, los bordes horizontal y vertical se alinearán con los ángulos de 90 grados de su foto. Si está fuera de lugar, verá un ligero efecto de distorsión trapezoidal.
¿Importa esto? Puede corregir la perspectiva en el software de edición, pero solo con una pérdida de nitidez de borde a borde.
Cuanto menos tenga que corregir, mejor.
Use niveles de burbuja junto con cualquier línea perpendicular en la obra de arte para lograr la mejor perspectiva posible. Las fuertes correcciones de la distorsión trapezoidal después del hecho tienen un efecto adverso en la calidad de la imagen, que puede o no ser perceptible según el uso previsto.
Si todo lo que está haciendo es compartir una foto de una pintura en Facebook, no necesita ser quisquilloso para alinear la obra de arte y la cámara. El uso de una profundidad de campo suficiente compensará los errores de enfoque menores y nadie te detectará en verticales imperfectas. Por otro lado, si vende arte en línea, desea hacer el mejor trabajo posible con las fotos.
Elección de lentes y profundidad de campo
Una buena elección de lente para fotografiar arte es una lente principal de 50 mm o 100 mm con una capacidad de enfoque de cerca decente. Mucha gente usa lentes macro, sobre todo porque crean muy poca distorsión a corta distancia. Un zoom de alta calidad será suficiente con una longitud aproximada de retrato.
No necesita elegir una apertura pequeña al fotografiar arte en 2D, ya que no necesita mucha profundidad de campo. Cerrar la lente dos o tres pasos af / 8 a menudo produce una nitidez óptima, mientras que mucho más reduce la nitidez por difracción.
Precisión de enfoque y visualización en vivo
Sin lugar a dudas, la forma más precisa de enfocar casi cualquier cosa es configurar la cámara en un trípode y usar el modo de visualización en vivo con enfoque manual. No hace falta decir que no funciona tan bien con sujetos en movimiento, pero es la técnica perfecta para obras de arte.
El uso de la visualización en vivo funciona bien para sujetos en 2D, pero no es fundamental a menos que desee una nitidez perfecta. Puede enfocar adecuadamente a través de un visor óptico y dejar que la profundidad de campo se encargue de cualquier error menor.
Para sujetos 3D como estatuas, la visualización en vivo es invaluable. Supera problemas como la curvatura del campo, pantallas de enfoque inexactas o puntos de enfoque y espejos y sensores desalineados.
Estoy lejos de estar listo para tomar una foto aquí, pero estoy alineando una postal antigua en el modo de visualización en vivo en el trípode. Un problema con las obras de arte planas es mantenerlas planas para la imagen. Puede usar trozos de cinta adhesiva de alta calidad y clonarlos después, pero tenga mucho cuidado de no rasgar la superficie del papel al retirarlos.
Los problemas técnicos a menudo hacen que sea difícil lograr una nitidez crítica donde la necesita en las estatuas, generalmente la cara y los ojos. Es posible que no note esto a menos que amplíe sus fotos al 100%, pero es fácil que el enfoque esté un poco fuera de lugar, especialmente en estatuas grandes en las que está disparando hacia arriba.
No puede confiar en puntos de enfoque o técnicas de enfoque / reenfoque, ya que no siempre funcionan. La vista en vivo y el enfoque manual superan eso.
Evitando reflejos
Cuando tomas una foto de arte 2D detrás de un vidrio, uno de los mayores obstáculos que debes superar son los reflejos.
A veces es más fácil pasar a otro tema, pero hay formas de evitar los reflejos en las fotografías de su obra de arte. Éstos son algunos de ellos:
- No utilice flash directo en la cámara. Creará un horrible punto de acceso en el cristal que es imposible de eliminar después del hecho.
- Utilice fuentes de luz direccionales desde el lateral, preferiblemente dos a la misma distancia (una a cada lado de la técnica). La luz no direccional es más suave pero creará reflejos de otros elementos en la habitación.
- En un museo, usar ropa negra puede ayudar a fotografiar pequeñas piezas de arte, ya que se refleja menos y absorbe la luz de otras fuentes de luz.
- Haga que amigos o parientes con ropa oscura se paren cerca del arte y bloqueen los reflejos.
- Use una malla / pantalla negra grande y empuje su lente a través de ella para fotografiar el objeto, las mismas razones que la ropa negra pero más efectiva.
- Utilice un filtro polarizador para eliminar gran parte del resplandor (aumenta el tiempo de exposición o ISO, por lo que no es ideal para tomas de mano en museos con poca luz).
- Dispare con un ligero ángulo para eliminar los reflejos y ajustar la perspectiva en el posprocesamiento. Exagerar esto disminuirá notablemente la nitidez de borde a borde.
- Examine la obra de arte detenidamente en busca de reflejos que pueden no ser inmediatamente obvios; tienen la costumbre de ser más notorios en una PC.
Capturando textura
Si desea capturar la textura en una obra de arte (por ejemplo, pintura al óleo), lo último que desea es una fuente de luz difusa como una bombilla fluorescente. Lo que necesita es una fuente de luz direccional desde un lado.
En las pinturas al óleo, la textura reveladora generalmente significa que algo de luz se reflejará en la lente, lo que puede distraer. Se trata de controlar el efecto para que los reflejos espectrales no arruinen la imagen. Un filtro polarizador ayudará siempre que no inutilice otros parámetros de disparo.
Los reflejos en este retrato pintado al óleo enfatizan la textura, pero distraen. Como todos los reflejos espectrales, los reflejos en el arte deben ser sutiles y mantenerse alejados de los puntos focales.
Tenga en cuenta que la iluminación LED es direccional por naturaleza. Puede improvisar en casa instalando focos LED G50 de haz estrecho o similar. De lo contrario, puede controlar la iluminación artificial difusa o la iluminación con flash con modificadores como un snoot.
Pocos artistas pusieron pintura de manera más espesa o salvaje que Vincent van Gogh. Puede ver la luz reflejada en este detalle de una de sus pinturas, pero es lo suficientemente sutil como para no restar valor al panorama general. Foto de rawpixel.com / Galería de arte de la Universidad de Yale (Fuente)
Copias de soportes, mesas de luz y carpas ligeras
Si está fotografiando obras de arte bastante pequeñas, puede ser ultraprofesional utilizando equipos diseñados para el trabajo. Personalmente, me gusta ahorrar dinero utilizando los métodos de Heath Robinson, pero no todo el equipo que voy a mencionar es caro. Incluso podría convencerme de comprar algo …
Soportes de copia
Los soportes para copias incluyen una base, dos luces, una columna y un brazo para sostener la cámara. Son ideales para fotografiar grandes volúmenes de arte plano porque están listos para usar, mientras que instalar un trípode, una cámara y las luces lleva tiempo. Los soportes para copias suelen costar alrededor de $ 200, pero puedes comprarlos de segunda mano por menos de la mitad.
Mesas de luz
Las mesas de luz se utilizan a menudo para crear fotografías de productos con un fondo blanco claro y suave. También podría usar uno para pequeñas obras de arte y adornos. Un soporte de copia es una mejor opción si desea grabar obras de arte planas sin un fondo.
Carpa ligera o cubo
Las carpas ligeras tienden a ser cubos de cinco lados unidos por marcos de alambre o plástico. Los lados están hechos de un material translúcido que permite el paso de la luz difusa. También se suministran varios fondos. Algunas carpas tienen una apertura en la parte superior que le permite apuntar la lente hacia abajo. Esto es ideal para fotografiar obras de arte pequeñas y planas.
Necesita una exposición uniforme para el arte plano, por lo que las luces de igual fuerza y distancia a ambos lados de la tienda son buenas. Con la escultura, la iluminación desigual crea modelado y enfatiza la forma, por lo que la configuración es diferente.
Las tiendas ligeras se pueden hacer fácilmente en casa construyendo un marco simple y cubriéndolo con material translúcido. Foto: Alison Christine de North Yorkshire, Reino Unido (CC BY 2.0) a través de Wikimedia Commons
Las carpas livianas suelen ser baratas de comprar, a diferencia de las mesas livianas y los soportes para copias. A menudo también son endebles, pero vale la pena probarlos por unos pocos dólares. Ningún espectador va a cuestionar la técnica o cuánto gastaste en equipo si la imagen funciona.¿Por qué fotografiar obras de arte en lugar de hacerlas?
Fotografiar el arte de otras personas puede parecer inútil, pero es un ejercicio útil para desarrollar su ojo creativo. Ese es especialmente el caso si aísla áreas de una pintura o escultura, lo que le obliga a estudiar el arte de cerca. A menudo hay varias imágenes dentro de una imagen.
Dentro de cuadros más grandes, verá detalles encantadores. Aquí, una joven se distrae con flores mientras posiblemente se aburre un poco en una mesa de bodas. Artista: Albert Fourié (1854-1937), Musée des beaux-arts de Rouen.
La única actividad que desaconsejaría es hacer copias directas del trabajo de artistas vivos o que han vivido recientemente (a menos que sean sus clientes y le hayan encargado que lo haga) y tratar de ganar dinero con ellos. Entonces, estás en un hielo moral y legal muy delgado (de hecho, lo has atravesado). La duración de los derechos de autor varía de un país a otro.
Por supuesto, es posible que esté fotografiando su propio arte para compartir en línea o vender en eBay. No hay motivo fotográfico más puro que compartir. El deseo de compartir está, después de todo, en el corazón de la mayoría de los artistas, sin importar el tamaño de la audiencia.
¿Tiene otros consejos para fotografiar obras de arte que le gustaría compartir? Por favor hágalo en los comentarios..