Hay un rasgo inquietantemente común entre los fotógrafos, creadores de imágenes, gente de imágenes, etc. A veces olvidamos que la razón por la que tenemos acceso a equipos y técnicas tan increíbles es porque aquellos que nos precedieron en nuestro oficio los descubrieron, los practicaron, adelantarlos, y luego nos dejó un legado de conocimiento. Cuanto más retrocedemos en la historia de la fotografía, más prevalente se vuelve esta apatía. ¿Qué tienes que aprender de alguien que usó una cámara menos avanzada que un abre-puertas de garaje? Bueno, resulta que podemos aprender mucho. Quizás no desde un punto de vista tecnológico, sino de una manera más intangible que es más difícil de apreciar y fácil de pasar por alto.
Esto no quiere decir que no puedas mejorar tu fotografía estudiando los métodos de algunos de los maestros. Su equipo era variado y menos avanzado, pero eso solo hace que su trabajo sea más extraordinario y su habilidad aún más humilde.
Henri Cartier-Bresson
Imagen de Gertrude Käsebier
Incluso si el nombre no te suena en la memoria, lo más probable es que hayas visto su trabajo en algún momento. Él fue, literalmente, el inventor del estilo de fotoperiodismo … Dejemos que eso penetre por un minuto o tres. Antes de Cartier-Bresson, la fotografía callejera adecuada como la conocemos y el “reportaje de naturaleza muerta” como él lo llamaba no era una forma de fotografía bien practicada o validada.
Nacido en 1908 en una familia francesa de clase alta relativamente bien situada, Cartier-Bresson, como tantos fotógrafos conocidos, no tenía la intención de serlo al principio. La pintura fue su principal objetivo antes de tomar una cámara. Todo eso cambió en 1931 cuando puso sus ojos en una fotografía hecha por el fotógrafo húngaro Martin Munkacsi. Era una imagen de tres niños pequeños en el oleaje de un lago en África. Cartier-Bresson dijo que "no podía creer que algo así pudiera captarse con una cámara" y que "de repente comprendió que una fotografía podía fijar la eternidad en un instante". La fotografía lo llevó a renunciar a la pintura y comenzar a hacer fotografías. Fue un registrador minucioso de la espontaneidad de la experiencia humana. Hay mucho que puede aprender de Henri Cartier-Bresson para mejorar todos los aspectos de su toma de fotografías.
Lecciones que puede aprender de Henri Cartier-Bresson:
Esfuérzate por ser invisible
Cuando trabajas como fotógrafo, no tardas mucho en comprender que los seres humanos tienden a cambiar drásticamente una vez que se dan cuenta de que están siendo fotografiados. Sus gestos, expresiones y apariencias se vuelven notablemente diferentes. La notoriedad roba el realismo muy rápidamente si no se tiene cuidado. Cartier-Bresson entendió esto y se transformó en una especie de ninja fotográfico. Disparó con cámaras relativamente pequeñas, generalmente telémetros Leica de 35 mm. Tienes que entender que la mayoría de los fotógrafos de su época usaban cámaras de formato más grande que prácticamente gritaban "¡¡¡Oye, te estoy haciendo una fotografía !!!" El anonimato le permitió capturar la esencia de cualquier escena de una manera cruda y discreta.
Cartier-Bresson llegó a ocultar todas las superficies brillantes de su equipo con pintura negra para disminuir aún más su huella como fotógrafo. Es posible que no desee ir tan lejos, pero le ayudará a capturar mejores imágenes si se mezcla con su entorno. Planifica tus sesiones de forma práctica. No lleve más equipo del que necesita y mantenga un perfil bajo. Intente esperar hasta que esté listo para hacer una exposición antes de levantar la cámara. Practica el uso de los controles de tu cámara y memoriza su ubicación. Además, evite usar un flash si es probable que interfiera con su sujeto. Cartier-Bresson supuestamente nunca usó un flash para sus imágenes, ya que las vio como descorteses y distraídas. La fotografía, especialmente el fotoperiodismo, depende de la captura sincera de la vida en toda su belleza y, lamentablemente, de su ocasional miseria. Trate de mantenerlo real, literalmente.
Redactar en la cámara
Sé que sé. Probablemente hayas escuchado esto antes y probablemente estés cansado de que te arrojen esa frase. Siento tu dolor. Siempre ponía los ojos en blanco cada vez que un fotógrafo experimentado o un escritor bien intencionado hablaba sobre la importancia de hacer las cosas bien en la cámara. Seamos realistas aquí. Es muy fácil recortar una imagen en la computadora en lugar de usar el visor de la cámara. Es mucho más conveniente recuperar una imagen que no está correctamente expuesta que pensar en las combinaciones de apertura y obturador.
El posprocesamiento de fotografías es algo maravilloso. Sin embargo, cambiar completamente una fotografía no siempre es lo ideal. Cartier-Bresson estaba absolutamente en contra de la manipulación de fotografías y creía que cualquier fotografía debería recortarse en el visor antes de ser capturada. Casi todas sus fotografías se imprimieron a fotograma completo e incluso incluyeron aproximadamente un milímetro del negativo no expuesto, de modo que sus impresiones terminadas lucían un borde negro delgado para demostrar aún más la ausencia de recortes.
Cualquier imagen es tan buena como los ingredientes que se pongan en su elaboración. Así que trate de poner los mejores ingredientes posibles en su trabajo para que su producto final sea algo que se enorgullezca de mostrar y diga "Yo hice esto".
Centrarse tanto en el arte como en la ciencia
Lo que hacemos como fotógrafos se habría considerado mágico en una época anterior. Incluso en el nivel básico, es una ciencia asombrosa. Grabamos una luz que es completamente única y fugaz. Nunca harás exactamente la misma fotografía dos veces. La ciencia de la creación de imágenes es una parte esencial de nuestro proceso creativo, pero nunca debe considerarse como la única parte.
Sorprendentemente, Cartier-Bresson expresó, en múltiples ocasiones, su casi total falta de interés en la parte más técnica de la realización de fotografías. El revelado e impresión de sus negativos, acciones tan cuidadosamente controladas y custodiadas por los fotógrafos más serios de la época, sólo le eran válidas en los casos en que permitían una expresión más eficaz de su visión. Vio la cámara como una herramienta y el desarrollo y la impresión como un mero medio para un fin muy esperado. Dijo que “la gente piensa demasiado en técnicas y no lo suficiente en ver”.
Puede perder la dirección durante el proceso de creación de una imagen. A veces dejamos que el perfeccionismo técnico opaque nuestra visión inicial. El conocimiento profundo de su equipo es esencial para crecer como fotógrafo. Sin embargo, como nos dice Cartier-Bresson, no se permita concentrarse tanto en sus herramientas que se olvide de su oficio.
Alfred Stieglitz
Alfred Stieglitz nació en este mundo el 1 de enero de 1864 y lo dejó el 13 de julio de 1946. Cualquier otra cosa que pueda decirles sobre el impacto de la vida del hombre en el mundo de la fotografía y el arte creativo quedará increíblemente por debajo de la medida completa. de agradecimiento le debemos como fotógrafos. Eso no es una hipérbole. Antes de Stieglitz, la fotografía no se consideraba una forma de expresión artística. No había verdaderas escuelas de fotografía, y ciertamente no se consideraba un arte elevado en el nivel de la pintura y la escultura. Stieglitz brindó a los artistas un medio para mostrar su trabajo al público y fue el catalizador que ayudó a comenzar las carreras de muchos artistas célebres, incluidas las pinturas de Georgia O’Keeffe y las fotografías legendarias del gran Ansel Adams. Stieglitz siempre estuvo abierto a nuevas técnicas y pensamientos innovadores hacia el arte.
Su trabajo ha sido retirado de nuestro tiempo por casi un siglo, y muchos de los mecanismos técnicos que utilizó ahora están obsoletos. Aún así, hay mucho que aprender de Alfred Stieglitz y sus contribuciones. Podemos aprender de su acercamiento al mundo del arte en su conjunto, para mejorarnos como fotógrafos.
Lecciones que puede aprender de Alfred Stieglitz:
Exprésate cuando puedas
Stieglitz creó una serie de imágenes llamadas "Equivalentes". Es una colección de fotografías que muestran una variedad de diferentes formaciones de nubes. Cada imagen era un autorreflejo de los pensamientos, emociones y experiencias que estaba sintiendo en el momento en que se expuso el marco. Eso hacía que cada imagen fuera única solo para él. Era la única persona que realmente entendía cómo se sentía cada vez que se abría el obturador. Así que sal y fotografía algo que te haga feliz. Compártelo con otros si lo deseas, o simplemente guárdalo para ti. Ve y haz fotos de algo que solo sea hermoso o significativo para ti. El acto en sí mismo es muy liberador.
Este lugar tiene un significado especial solo para mí. Hice esta foto para mí y para nadie más.
Podrías estar pensando “me expreso con todo mi trabajo”, pero realmente piénsalo por un momento. ¿Alguna vez haces una fotografía e inmediatamente consideras cómo podría ser aceptada o rechazada por otras personas? ¿Compartes a veces una imagen que personalmente crees que es sobresaliente pero que a nadie más parece importarle? Todos lo hemos hecho más a menudo de lo que podemos admitir cómodamente.
Rompe las reglas si quieres
En pocas palabras, cualquier fotografía que se haya producido alguna vez fue el resultado de una combinación de las siguientes variables: tamaño de apertura, velocidad de obturación, profundidad de campo, distancia focal, sensibilidad y composición del receptor de imagen (película, sensor digital, etc.) y eso es todas. La clave para hacer una gran imagen es juntar todas esas piezas de tal manera que conviertan lo que solo era visible dentro de tu propia mente, en una fotografía. Esas son las únicas reglas férreas en la fotografía. Al final, eres tú quien toma las decisiones y maneja la cámara.
¡No tenga miedo de pensar fuera de la caja!
Un gran trabajo ha resultado de salir de la corriente principal. Hay muchas imágenes impresionantes que ignoran por completo la regla de los tercios, las líneas principales, los horizontes, etc. Nunca deje de lado las pautas por completo, pero tampoco se convenza de que está atado permanentemente a ellas. Aprender y practicar los componentes probados y comprobados de la fotografía sólida le ayudará enormemente. Solo recuerde que el trabajo innovador a menudo surge de la flexión de las reglas.
Busque inspiración en todas partes
Stieglitz promovió todas las formas de arte. Abrió galerías para mostrar las obras de pintores, escultores y, por supuesto, fotógrafos. No se limitó a la fotografía, ni a la pintura, ni a las obras realizadas en piedra y arcilla. En cambio, se lo bebió todo. Reconoció que todo estaba enredado y entrelazado.
Como fotógrafos, podemos proyectar casi instantáneamente lo que a veces a otros artistas les lleva días o semanas, o incluso meses, crear. Sin embargo, esta relativa facilidad de creación puede cegar gradualmente nuestro pensamiento creativo. Podemos llegar a un punto en el que solo miramos otras fotografías en busca de inspiración. Ese tipo de pensamiento limita nuestro alcance como artistas. Esta mentalidad es especialmente peligrosa para los nuevos fotógrafos y puede llevar a la frustración, la decepción y, lo que es peor, la emulación que se convierte en plagio.
No te permitas tener una visión artística de túnel. Empiece a buscar inspiración en todas partes para alimentar su fotografía. Bocetos en blanco y negro, pinturas, tallas de madera, arquitectura, pintar con los dedos de los niños: todo tiene el potencial de darle un toque de creatividad que puede moldear en inspiración fotográfica. La verdad es que nunca sabes qué te inspirará.
Comparta sus preguntas y comentarios a continuación. ¿Has oído hablar de estos dos maestros antes? ¿Han influido en tu fotografía?