Llega un punto, o una meseta, como en la carrera de todo fotógrafo (ya seas fotógrafo intermedio o profesional) en el que chocas contra una pared. Es una crisis de uno mismo a la que se enfrenta cuando ha alcanzado un cierto punto de competencia técnica. Bueno, básicamente llegas a una meseta porque ya conoces todos los elementos de la fotografía, desde la composición hasta las habilidades técnicas y la edición de imágenes, pero de alguna manera falta algo: sustancia, significado, conexión emocional y encontrar tu propio estilo.
Así que los invito a que olviden por un segundo lo que saben y miren su fotografía bajo una luz diferente. La composición y la destreza técnica son ciertamente factores importantes en la creación de buenas fotografías, pero ¿cómo se crean excelentes fotografías con significado?
Darse cuenta de que hay más detrás de una fotografía que solo una representación visual del tiempo, el lugar y el tema, y puede ser mucho más gratificante cuando te desafías a ti mismo para encontrar tu voz, tu perspectiva y crear una conexión emocional para el espectador.
Tus fotografías muestran tu punto de vista y perspectiva de cómo ves el mundo. Por ejemplo, si pones a seis fotógrafos en una habitación y les pides que creen una imagen única, cada fotografía resultará diferente. Ya fotografias con significado, simplemente no te has dado cuenta de cuánto agrega tu subconsciente tu perspectiva a tus imágenes.
Significado en acción
Ahora que se ha dado cuenta de que la fotografía es más que una etapa de GAS (síndrome de adquisición de engranajes), en la que está comprando las últimas y mejores cámaras, lentes, software y artículos diversos para la fotografía, es hora de evolucionar hacia un mejor fotógrafo. - uno con propósito.
"La verdadera pregunta no es lo que miras, sino lo que ves". - Henry David Thoreau
Entonces, ¿cómo te separas de la naturaleza técnica de la fotografía? Las habilidades que ha heredado a través de tutoriales, artículos, clases, talleres, videos en línea, etc., todavía están en el fondo de su mente. Finalmente, se sentirá cómodo filmando con diferente iluminación, configurando diferentes esquemas de iluminación, conociendo su camino alrededor de su cámara, y todo esto será útil cuando esté preparando su propia voz o estilo de filmación.
Al dejarlos de lado, debes aprender una nueva forma de fotografiar, y eso requerirá dedicación y trabajo duro, pero en última instancia será el esfuerzo más gratificante, especialmente si esto es lo que quieres hacer para ganarte la vida.
El mimetismo es la mejor forma de adulación
El primer paso es intentar disparar al estilo de su fotógrafo favorito. Al aprender cómo crean sus imágenes, conocerá su visión, que inspirará sus propias ideas creativas. No tienes que recrear exactamente una imagen perfectamente como ellos, solo trata de entender lo que están haciendo y luego intenta recrearlo.
El segundo paso es tomar desafíos fotográficos. Un desafío fotográfico o una tarea es una forma de poner a prueba sus aspectos técnicos y artísticos, combinados para crear una tarea que otros juzgarán. Ser revisado por pares por otros fotógrafos no solo le dará consejos útiles, sino que le proporcionará una piel dura para futuras críticas de su trabajo.
Es posible que tenga cierto estilo de disparo que le atraiga, como paisajes o fotografía callejera. Pero, ¿qué pasa si alguien te desafía a hacer algunas tomas macro, arquitectónicas, retratos o algo diferente a lo que estás acostumbrado? Lo saca de su zona de confort y desafía su conocimiento como fotógrafo, al mismo tiempo que le brinda ideas para incorporar en su propio trabajo.
Ahora está utilizando toda su educación en fotografía técnica y la está poniendo en práctica. Finalmente, tiene sentido que necesite conocer estas habilidades técnicas para crear algo con más significado. Es como un médico recién salido de su residencia, aprendiendo cómo convertirse en cirujano. ¿Confiaría en que esta persona lo abrirá sin tener que aprender de otros cirujanos más experimentados? Lo mismo ocurre con la fotografía, es la capacitación en el trabajo.
Necesita aprenderlo todo, probarlo todo y aprender diferentes estilos. Luego, puede comenzar a ver su estilo asomando, porque poco a poco ha aprendido a crear su propia visión, al estudiar a aquellos cuyo trabajo tiene una conexión.
Composición meditativa
Desde el principio me di cuenta de que mi método era encontrar un tema, componer, asimilar la atmósfera y esperar pacientemente. Mientras esperaba, absorbí todas las cosas que sucedían a mi alrededor, sin ningún tipo de nociones preconcebidas, sino que simplemente dejé que el mundo sucediera a mi alrededor sin intentar controlarlo. Era un estado meditativo, donde había montado mi caballete (cámara en un trípode) y esperaba el momento decisivo para disparar (poniendo el pincel en el lienzo).
Estuve en el Monumento Nacional White Sands cerca de Alamogordo, Nuevo México el verano pasado, sentado en una colina de arena blanca, mirando el cielo cambiar de un tono azul profundo a un cielo oscuro, transformándose en una tormenta eléctrica. Los vientos comenzaron a levantarse y las arenas blancas comenzaron a soplar. En mi cuadro vi el cielo cambiar a un magenta profundo, y las arenas moviéndose casi en un tornado como un remolino. En ese momento supe que debía hacer clic en el obturador y pude capturar un momento especial componiendo y esperando.
“Pero una buena fotografía es más que información. También buscamos presentar una imagen que despierte la curiosidad del espectador o que, lo mejor de todo, provoque al espectador a pensar, a hacer una pregunta o simplemente a mirar con asombro pensativo. Sabemos que las fotografías informan a las personas. También sabemos que las fotografías conmueven a las personas. La fotografía que hace ambas cosas es la que queremos ver y hacer. Es el tipo de imagen que hace que quieras volver a tomar tu propia cámara e ir a trabajar ". - Sam Abell
Equivalencia
La equivalencia es un término que se ha utilizado desde que Alfred Stieglitz comenzó a expresar su trabajo como algo más que una captura de la realidad, sino que las cosas que capturó estaban conectadas emocionalmente con él, ya fueran patrones geométricos, personas, etc.
El término equivalencia proviene del pintor abstracto Wassily Kandinsky. Su misión era crear más emoción con su pintura, para que el público que veía su trabajo pudiera encontrar y sentir una conexión emocional con su trabajo. Fue Stieglitz, quien durante una época en la que la fotografía era simplemente documentación, incorporó la idea de equivalencia en su proceso fotográfico. Reducida a su forma más simple, la equivalencia es la creencia de que los colores, las formas y las líneas geométricas reflejan las emociones internas de uno. Al estudiar a Kandinsky, encontró significado en su propio trabajo.
Entonces, ¿qué significa eso para ti, un fotógrafo que intenta crear fotografías con significado? El significado fotográfico no es una traducción literal de una imagen. En cambio, es una forma en la que usas tu voz o perspectiva, para crear un trabajo que no necesita ser explicado, que también evoca algo / cualquier cosa en el espectador.
Esta equivalencia es lo que han encontrado muchos grandes fotógrafos, y cuando vemos las fotografías de "Madre migrante" de Dorothea Lange o "El soldado que cae" de Robert Capa, nos afectan instantáneamente y no tenemos que entender qué está pasando. Vemos el horror de la guerra y la mirada de incertidumbre en los ojos de una madre mientras sostiene a sus hijos.
Conecta los puntos
La belleza de la fotografía es que una sola imagen puede contar una historia completa, o un ensayo fotográfico puede reconstruir una narrativa importante. Una historia que vale la pena contar, es lo mismo que fotografiar con significado. Las fotografías son su forma de mostrar su punto de vista, o el de sus sujetos, a una audiencia.
Capturamos la experiencia humana, ya sea un genocidio o el regreso a casa de los soldados de la guerra. Puede ser dolor, belleza, gracia, disgusto, pero las fotografías son narradores visuales, y aquellos que entienden cómo hacer una historia con sus imágenes se vuelven los más exitosos.
“En lo que a mí respecta, la fotografía es un medio de comprensión que no puede separarse de otros medios de expresión visual. Es una forma de gritar, de liberarse, no de probar o afirmar la propia originalidad. Es un estilo de vida." - Henri Cartier-Bresson
El trabajo de cada gran fotógrafo fue influenciado por aquellos que les precedieron. Algunos de nosotros tenemos un ojo natural para la composición y una gran sincronización, pero ¿significa eso que el trabajo duro no ayudará a quienes carecen de estas habilidades a adquirirlas?
Para fotografiar con sentido, existe una ruta literal para encontrar este descubrimiento. Para acelerar ese proceso se necesita trabajo duro, dedicación y humildad. Necesita quemar sus tarjetas de memoria y echar un vistazo a cada uno de sus marcos para ver qué funciona y qué no. Es necesario mirar los álbumes de fotos de los maestros para ver su visión, para ayudar a cultivar la suya, recreando sus obras.
Debe ser paciente, reflexivo y estar dispuesto a someterse a situaciones incómodas y, a veces, incluso peligrosas, para esforzarse realmente por convertirse en un mejor fotógrafo.
Crear una conexión emocional con su trabajo es encontrar la equivalencia que le dirá mucho a su audiencia, sin siquiera tener que explicarse. Entonces, para dejarlo en claro, para encontrar el significado de tus fotografías, debes estar dispuesto a estudiar, probar, fallar y explorar otros géneros de fotografía para encontrar tu lugar, tu visión y profundizar en tu interior y en el trabajo que realizas. tiene la intención de crear.
Al estudiar a los antepasados de la fotografía, puede crear algo nuevo que fue influenciado por fotografías poderosas y significativas. No es plagio combinar técnicas o procesos de otros. Además, eso sería como decirle a alguien que nunca leyó un libro y que no entiende la trama que escriba la gran novela estadounidense.
Debes aprender a caminar antes de poder correr.