El camino hacia una mejor fotografía

Ed Verosky es un fotógrafo profesional y autor radicado en Nueva York. En este artículo, Ed presenta su camino recomendado para aprender fotografía.

Si alguna vez ha querido un poco de orientación cuando se trata de aprender fotografía de arriba a abajo, ¡esta publicación de DPS es para usted! Hay mucha información disponible y toneladas de libros, tutoriales, talleres, etc. de los que aprender. Pero no siempre es fácil saber por dónde empezar o dónde debe centrar sus esfuerzos cuando se trata de mejorar realmente su conocimiento del arte y el oficio de la fotografía. Con eso en mente, aquí hay una "hoja de ruta de aprendizaje" que he preparado para usted y que ha ayudado a muchos de mis lectores. Espero que te ayude en tu búsqueda para convertirte en un mejor fotógrafo.

Empezando

En primer lugar, quiero agradecerles por tomarse el tiempo de leer esto. Probablemente esté viendo esto en este momento, entusiasmado con la posibilidad de que realmente pueda aprender algo nuevo, algo que lo elevará como fotógrafo de alguna manera. Si eres un fotógrafo principiante o alguien que ha estado en esto durante algunos años, probablemente tengas el deseo de mejorar lo que amas.

La fotografía significa algo especial para ti; es una especie de magia que te permite expresarte. Es tu forma de comunicarte y compartir con el mundo. Ya sea que esté haciendo lo que ama para obtener ingresos adicionales, o simplemente por la pura emoción y disfrute de ello, esa es razón suficiente para querer seguir mejorando, aprendiendo y creciendo. No son solo las habilidades técnicas, sino la psicología y la sensibilidad artística de lo que hacemos como fotógrafos lo que nos mantiene constantemente en la necesidad de aprender y adaptarnos a todo, desde nuevos equipos, nuevas personas / clientes, hasta nuestras propias formas de expresarnos.

Cómo utilizar esta publicación como guía

Imprime esta publicación. Es tu guía y punto de partida. Puede servir como una hoja de ruta para aprender los conceptos básicos de la fotografía, ayudándole a construir una base sólida a partir de la cual crecer y volverse realmente bueno en lo que hace. Los animo a que utilicen esta hoja de ruta y busquen varios recursos, como DPS, para comprender mejor cada tema que sigue. Mi blog, boletín informativo, tutoriales en video y libros electrónicos definitivamente también lo ayudarán a aprender sobre estas cosas rápidamente y con gran detalle. Pero también dirijo a las personas a recursos externos de manera rutinaria, porque creo que es importante aprender de más de un maestro para realmente llevar a casa el conocimiento y los principios de la fotografía.

Estoy muy emocionado con este viaje en el que se encuentra, y mi objetivo es hacer todo lo que esté a mi alcance para ayudarlo a obtener todo lo que desea de su fotografía. Estoy obsesionado con enseñar y demostrar lo que he aprendido y todas las cosas nuevas que sigo aprendiendo. Estoy sinceramente feliz de tener a otra persona con la que puedo compartir esta emoción en este momento. ¡Ese eres tú!

Ahora, comenzaremos nuestra discusión de los cuatro temas que creo que son los más importantes en su desarrollo como buen fotógrafo: la cámara, la iluminación, el tema y el posprocesamiento.

La Cámara

La primera parte de convertirse en un fotógrafo completo es saber cómo funciona su cámara, por dentro y por fuera. Su cámara es el principal medio de comunicación entre usted y el mundo exterior como fotógrafo. Al igual que su voz, su vocabulario fotográfico es extremadamente limitado sin una buena comprensión de la mejor manera de contar una historia. Esfuércese en aprender todo sobre su cámara y valdrá la pena, a lo grande. Además, podrá hablar inteligentemente sobre su oficio y podrá hacer las preguntas correctas en lo que respecta al tema de la iluminación. La cámara y la iluminación; el conocimiento de un tema apoya la comprensión del otro, por lo que necesita ambos. Empiece con su cámara.

Los buenos recursos proporcionarán numerosos ejemplos visuales para ayudarlo a comprender cómo funciona la exposición. Las secuencias anteriores son solo algunas de las que utilizo en mis libros electrónicos para ilustrar la naturaleza interdependiente de los controles de exposición en la cámara.

Estas son algunas de las cosas más importantes que debe conocer:

Raw y JPEG.webp. Las diferencias entre los formatos de archivo Raw y JPEG.webp. Aprenda cuáles son las diferencias y por qué uno no siempre es mejor que el otro. Por ejemplo, recomiendo encarecidamente que la gente filme en el formato Raw más grande que producen sus cámaras. Pero esa no es siempre la opción práctica, ni siempre es necesaria. En general, sin embargo, Raw le proporcionará un archivo de la más alta calidad con el que trabajar. Desde allí, puede exportar a archivos JPEG.webp ajustados que seguramente producirán impresiones e imágenes de visualización web de excelente calidad. Pero esta no es toda la historia, y probablemente debería investigar de qué son capaces estos formatos de archivo y cómo funcionan con su software de posprocesamiento, para que pueda tomar las decisiones más informadas de acuerdo con las demandas y limitaciones de su horario. , software y necesidades del cliente.
ISO, apertura y velocidad de obturación. Estos son los componentes fundamentales de la exposición y un gran tema para los fotógrafos. Nuestras cámaras pueden mantener estos tres componentes bajo control en los modos de disparo automático, pero los mecanismos de exposición y medición automática no siempre funcionan correctamente. Comprender exactamente cómo se interrelacionan el ISO, la apertura y la velocidad de obturación le dará un control completo sobre exactamente cómo resultan sus exposiciones. Debe comprender este tema para poder tomar decisiones fundamentadas sobre cómo ajustar la exposición incluso cuando se utilizan los modos de disparo automático. También hay atajos para aprender. Pero no puedo enfatizar lo importante que es obtener una comprensión real y sólida de la exposición.
Cómo hacer las matemáticas de la fotografía. Es fácil una vez que lo dominas, y es una parte esencial del trabajo con todos los aspectos de la exposición y la iluminación. ¿De qué se trata esta "matemática"? Bueno, todo se reduce a cómo se mide la luz en la fotografía; hablamos de luz en términos de "paradas", que tradicionalmente son incrementos completos de ajustes de cámara e iluminación. Cada parada duplica o reduce a la mitad la cantidad de luz con la que está trabajando. Por ejemplo, cuando se trabaja con aperturas (a menudo se habla en términos de f-stop), pasar de un f-stop completo, digamos, f / 5.6 af / 8.0 corta la luz que ingresa a la cámara a la mitad. Del mismo modo, cambiando la velocidad de obturación de 1/500 seg. a 1/250 seg. permite que el doble de luz exponga el sensor de la cámara. ISO funciona de la misma manera; ISO 200 hace que su sensor sea dos veces más sensible a la luz que lo golpea que ISO 100. La iluminación tiene una matemática similar con algunas buenas reglas que puede seguir. Saber todo esto y ponerlo en práctica te permitirá tener un control total de tu iluminación y exposición.
Balance de blancos. La luz viene en muchos colores diferentes, incluso cuando se ve blanca a sus ojos, una fuente de luz puede reproducirse como azul, verde o naranja. Aprenda a controlarlo y corregirlo tanto en la cámara como durante el posprocesamiento. Cuando utilice diferentes tipos de fuentes de luz juntas, como flash y lámparas incandescentes domésticas, tendrá que tomar algunas decisiones sobre cómo manejar la diferencia en el color de la luz, si es que lo hace.
Modos de disparo. ¿En qué modo de cámara sueles grabar? Hay varios para elegir, incluidos completamente automático, programa, prioridad de apertura y prioridad de obturación. También hay un modo manual que es muy importante saber utilizar. De hecho, para la iluminación de tipo estudio, el modo manual suele ser la mejor opción. Aprenda lo que hace cada modo de disparo de la cámara. Cada uno tiene un propósito real y saber elegir el adecuado es crucial.
Modo manual. Comprenda cómo usarlo y obtenga un control total sobre todos los aspectos de la exposición. No, no tienes que disparar en modo manual todo el tiempo para ser considerado un fotógrafo "real", pero en muchas situaciones, saber cómo usar tu cámara en modo manual te salvará del desastre. El modo manual también es importante en el trabajo de estudio y siempre que las condiciones de disparo requieran que piense cuando los modos automáticos de su cámara no lo están cortando.
Comprenda todos los modos de medición, enfoque y manejo de su cámara. Es fácil encontrar algo que funcione y simplemente ceñirse a él. Pero a veces es necesario cambiar las cosas para obtener mejores resultados a medida que cambian las condiciones. Aprender cuáles son las capacidades de su cámara será útil.
Evalúa y arregla tus tiros. Sepa cómo utilizar de forma más eficaz todas las herramientas disponibles en su cámara para evaluar y ajustar correctamente sus exposiciones mientras dispara.

Ok, ¿recuerdas la amplia lista de cosas que necesitas aprender: cámara, iluminación, sujeto y posprocesamiento? Bueno, la lista de arriba es solo la parte de la CÁMARA. Créame, sé que esa parte por sí sola puede parecer abrumadora, y es por eso que la mayoría de las personas nunca se molestan en aprenderlo todo. Es una verdadera lástima, porque es la primera parte de convertirse en un fotógrafo completo; necesita saber todo sobre el funcionamiento de su cámara.

Afortunadamente, no es necesario que lo sepas todo desde el principio. Si estás usando tu cámara de una manera que te funcione en este momento, sigue haciéndolo. No hay razón para renunciar a eso. Pero mientras tanto, comience a desarrollar su conocimiento y uso actuales de la cámara y aprenda un poco más a medida que pasan las semanas. Pronto, todo empezará a encajar y descubrirás que tienes un control total de la cámara. Ese es el objetivo. Lea los mejores recursos sobre el uso de su DSLR y simplemente comprométase a desearlo. ¡Va a suceder, lo prometo!

Encendiendo

Si bien configurar la cámara en uno de los modos de exposición automática es una excelente manera de resolver el problema inmediato de obtener una imagen con la exposición adecuada, no resolverá sus problemas de iluminación y es su iluminación la que realmente marca la diferencia. Muchos fotógrafos pronto se dan cuenta de que lo que separa sus imágenes de un mejor trabajo es la aplicación de buenas técnicas de iluminación y diferentes tipos de fuentes de iluminación. Yo diría que la habilidad de usar la iluminación con destreza es la habilidad técnica número uno que un fotógrafo debe buscar adquirir para producir un buen trabajo. Desafortunadamente, este es también el lugar número uno en el que los fotógrafos tienden a dejar caer la pelota.

Aprender a controlar la luz le permitirá crear fácilmente efectos como la luz del día abrumadora (arriba). Aquí, la combinación correcta de la configuración de la cámara y la potencia del flash crea un efecto nocturno, aunque en realidad entra una luz brillante en la ventana del estudio.

Claro, la iluminación no es fácil al principio, y tal vez por eso muchos fotógrafos simplemente se dan por vencidos en aprender a hacerlo correctamente. Se necesita tiempo, experimentación y un buen maestro para ayudarlo a llegar a donde necesita ir con la iluminación fotográfica. Buenos libros y tutoriales pueden ayudarte con eso. Cuando enseño, mi objetivo es mostrar a los lectores cómo usar la iluminación natural, constante y con flash de una manera que realmente les permita manejarla rápidamente.

Para dominar realmente la iluminación para la fotografía, debe aprender lo siguiente:

Cómo se comporta realmente la luz. Al aprender las propiedades de la luz, puede controlar fácilmente la forma en que se puede dirigir, redirigir y modificar para que se adapte a sus necesidades.
Cómo se mide la luz en la fotografía. Hay una matemática muy fácil y poderosa en la iluminación fotográfica (que mencioné antes). Ha existido durante mucho tiempo y ha sido de gran utilidad para los fotógrafos. Aprender a medir la luz es fundamental para una buena iluminación y buenas exposiciones.
Cómo utilizar la iluminación estroboscópica / flash. Este es uno de los tipos de iluminación más potentes y convenientes que puede aprender a usar. Saber cómo usar el flash dentro y fuera de la cámara es lo que separa a muchos fotógrafos. Si bien está bien sentirse cómodo siendo un fotógrafo "solo con luz natural", también es limitante.
Iluminación para retratos. El uso de sus conocimientos de iluminación transformará su trabajo de retrato a un nuevo nivel. Hay cinco patrones de iluminación importantes que debe conocer absolutamente. Comenzando con una sola fuente de luz, puede aplicar estos patrones y construir sobre ellos para eventualmente crear retratos que aprovechen múltiples luces.
Mezclar y combinar fuentes de luz. Asegúrese de comprender cómo las diferentes fuentes de luz (aunque muchas parecen blancas a sus ojos) causarán cambios de color importantes en sus exposiciones. Puede manejar estos problemas en la cámara con buenas técnicas de balance de blancos y también durante el posprocesamiento.

El tema

Creo en la enseñanza del retrato de forma semi-tradicional; instruir sobre los fundamentos y pasar rápidamente a un enfoque más libre. El aprecio por los patrones de iluminación tradicionales y el retrato contemporáneo le proporcionará una buena base para todo su trabajo de retrato. Pero en el mercado actual, el antiguo retrato tradicional no es el único juego en la ciudad. Los fotógrafos que trabajan deben mirar más allá del retrato típico para encontrar formas de diferenciarse de los demás. Una de las principales cosas que me gusta enfatizar es que debes comenzar a pensar en poses, dirección, iluminación, etc. no convencionales y eventualmente desarrollar tu propio estilo.

Los temas geniales pueden inspirarlo a ser creativo con sus técnicas de posado e iluminación. Este tipo de experimentación te ayudará a desarrollar tu propio estilo único.

Nuevamente, todo esto comienza con conocer realmente los fundamentos de la iluminación y sentirse muy cómodo con su equipo para que se convierta en una extensión de su visión y no en algo que se interponga en el camino del flujo creativo. Pero simplemente saber cómo utilizar las herramientas y las técnicas básicas de su oficio no es suficiente. Debe dejar de lado las cosas que le impiden crear su mejor trabajo y explorar nuevas formas de mirar y crear retratos. Sí, las habilidades blandas como trabajar con sujetos y clientes son importantes, por eso es una de mis cosas favoritas para enseñar.

Estos son algunos de los temas y temas más importantes que tiendo a discutir con regularidad:

Iluminación clásica. Los patrones de iluminación tradicionales básicos son clásicos y siempre se ven geniales. Incluso si eres el tipo de fotógrafo al que no le gusta hacer las cosas de la manera tradicional, conoce los clásicos porque son útiles y los principios en los que se basan se aplican a TODOS los tipos y estilos de iluminación.
Iluminación creativa. También te recomiendo encarecidamente que seas no tradicional. Trabajar con sus sujetos de una manera que fomente la creatividad incluye doblar y romper las reglas de la iluminación tradicional.
Desarrollando su propio estilo. Es imperativo que los fotógrafos que trabajan hagan esto para no ahogarse en un mar de competencia donde tantos están produciendo trabajos sin ningún estilo o visión únicos. Los aficionados tienen aún más razones para explorar las áreas artísticas del retrato, ya que es parte del patrimonio amateur hacerlo, y también porque no tienen la carga de producir un trabajo de acuerdo con los gustos y necesidades de los clientes que pagan. Cuando hablo de desarrollar tu propio estilo, no quiero decir necesariamente que puedas, o debas intentar, hacerlo deliberadamente. No creo que puedas crear un estilo verdadero tanto como puedes identificarlo mirando hacia atrás en tu trabajo a medida que pasa el tiempo. Pero mientras tanto, tome esto como una señal para trabajar de una manera que sea suya.
Proyectos de retratos. Una de las mejores formas de expandir su trabajo, así como de crear nuevas imágenes en las que de otro modo no habría pensado, es iniciar un proyecto de arte fotográfico. Comenzando con una simple idea o tema, es posible que descubra muchas formas diferentes de expresarlo. Incluso un concepto muy general tiende a construirse sobre sí mismo a medida que se vuelve, al mismo tiempo, más definido y diverso. Este proceso de creación y descubrimiento solo puede mejorar su visión y técnica artísticas.
Cómo encontrar grandes temas. Los buenos modelos están por todas partes, solo hay que saber encontrarlos. Esta es otra cosa de la que hablo en mis libros, pero el mensaje principal aquí es que la familia, los amigos y los extraños pueden ser grandes sujetos. No siempre es necesario buscar "modelos" de sitios web de directorios para encontrar personas geniales para fotografiar. Obtuve algunos de mis mejores resultados a través de otros medios.
Cómo dirigir a sus sujetos. Ya sea que el sujeto del retrato sea un cliente o un colaborador en su próxima visión artística, es muy importante que se entusiasme y se sume a sus ideas para la sesión. Ellos son el actor de su drama, la estrella de su película, incluso si su "teatro" es solo una configuración de estudio ad-hoc, la confianza y el entusiasmo de su sujeto son ingredientes clave para una filmación exitosa.
Personalice su trabajo. Esto es muy importante. No importa qué o a quién fotografíes, si inviertes algo personalmente en tus esfuerzos, se verá. Tu trabajo será menos genérico y más sustantivo. A menudo se dice que todos los retratos son realmente autorretratos. Si bien no siempre es tan evidente, la verdad es que los mejores retratos ocurren cuando reconoces algo especial al hacer clic en el obturador. Y lo que reconoces con mayor frecuencia proviene de un lugar muy personal.

Postprocesamiento

Se puede argumentar que el posprocesamiento ocurre en el momento en que una cámara digital procesa los datos del sensor y, ciertamente, cuando un archivo se convierte, a través del algoritmo de algún programador, para verlo en un motor de conversión RAW común en la mayoría de los flujos de trabajo digitales. ¿Por qué no aprovechar al máximo las herramientas que tiene a su disposición, como siempre lo han hecho los fotógrafos? Solían ser herramientas de cuarto oscuro, como varias formas de revelar películas y exponer selectivamente papel fotográfico durante el proceso de impresión, lo que permitía al fotógrafo mejorar o corregir problemas con un negativo original. Ahora es digital. Por supuesto, puedes arruinar cualquier fotografía con efectos exagerados o trucos cursis. Pero si se usan con cuidado, las técnicas de posprocesamiento pueden ayudar a que una buena imagen sea sobresaliente.

Software de conversión sin formato. Le recomiendo que aprenda a utilizar el software de conversión Raw que funciona y viene integrado en los productos Photoshop y Lightroom de Adobe. Trabajar con archivos Raw se ha convertido en una parte bastante fluida del flujo de trabajo normal.
Edición de imagen. Software como Lightroom y Aperture facilitan la organización y la edición básica. Adobe Photoshop es la herramienta de edición (retoque) profesional estándar preferida; sin embargo, el menos costoso Photoshop Elements puede tener las funciones suficientes para permitirle realizar el tipo de posprocesamiento que le interesa.

Pruebe estos productos de forma gratuita haciendo clic en los siguientes enlaces. Debería ver un enlace "Prueba" en la página de información de cada producto:

Adobe Lightroom
Adobe Photoshop
Elementos de Adobe Photoshop

Por supuesto, también hay otras formas divertidas y efectivas de posprocesar sus imágenes, incluido el uso de algunas aplicaciones populares para dispositivos móviles. Este es uno de mis temas favoritos para cubrir, ya que soy un gran fanático de la fotografía de iPhone y de la combinación de fotografías DSLR con tecnologías de edición y uso compartido de fotografías de teléfonos.

Algunas de las cosas que podría estar interesado en aprender incluyen:

Retocar. El uso de herramientas de Photoshop como la herramienta de clonar, licuar y herramientas de curación para eliminar imperfecciones, endurecer las partes del cuerpo y mejorar el aspecto general de sus sujetos retratados. El "photoshopping", la "aerografía" o el retoque son tan frecuentes en estos días que casi se espera que ofrezca esto a los clientes que pagan como parte del servicio. Puede aprender a hacer al menos lo básico viendo algunos videos tutoriales en YouTube, pero le sugiero que también invierta en algunas instrucciones detalladas básicas de libros como los populares de Martin Evening. Una vez que tenga eso en su haber, estará listo para abordar temas más avanzados.
Efectos. Hay varios efectos que son populares entre los fotógrafos en estos días, incluido el texturizado, la composición y el procesamiento de color alternativo y las conversiones en blanco y negro. Algunos efectos se pueden comprar como ajustes preestablecidos y acciones, lo que facilita su aplicación. Sin embargo, te recomiendo que también aprendas a crear y manipular imágenes directamente para que sepas exactamente cómo conseguir la apariencia que deseas y hacerlas únicas.
Preparación de la imagen. También querrá conocer las mejores formas de preparar sus imágenes para su uso en diversas aplicaciones como impresiones de tamaños específicos, galerías web en línea, distribución y presentación en la web, etc. Conocer los entresijos de la resolución de imágenes y los ajustes de calidad te ayudarán a aprovechar al máximo tu fotografía. Después de todo, ¿de qué sirve todo el trabajo que ha realizado hasta este momento si no sabe cómo presentar mejor sus imágenes al final?

Esto es solo el comienzo

Me doy cuenta de que hay mucha información en esta publicación. Al mismo tiempo, no está completo, solo un resumen general basado en mi experiencia y métodos de enseñanza. Pero te recomiendo encarecidamente que encuentres tu lugar en este mapa y comiences a navegar por él. Llevará algún tiempo, pero esa es una de las mejores cosas de la fotografía: el descubrimiento.