Encontré por primera vez una pintura de Mark Rothko cuando era estudiante de la universidad, examinando la Galería Nacional de Australia. Buscando la sabiduría de expresionistas abstractos como Lee Krasner, Clyfford Still y Hans Hofmann, de alguna manera ignoraba por completo los famosos lienzos de Rothko. Entonces cuando me encontré #20,1957 Me quedé hipnotizado al instante. A la luz reverente de la galería, las celdas del cuadro parecían moverse bajo mi mirada, sangrando y retrayéndose a la vez. Y cuando miré hacia otro lado, la imagen secundaria formó un hueco sorprendente en los alrededores de la galería.
Sentí meditación y calma, pero también sentí algo en lo que no podía identificar. El inefable. #20,1957 no se parecía a nada con lo que me hubiera encontrado antes.
Mi reacción al cuadro de Rothko no fue única. El público de todo el mundo ha informado de una profunda experiencia emocional al ver el trabajo de Rothko. Rothko esperaba que al ver sus pinturas, otros se sintieran atraídos hacia un estado meditativo profundo, un estado de vulnerabilidad y receptividad en el que él mismo entró mientras creaba sus obras de arte.
Hoy en día, las motivaciones y técnicas de Rothko continúan informando no solo a la pintura sino a las artes visuales en su conjunto.
Mark Rothko
Nacido en Dvinsk, Rusia (ahora Daugavpils, Letonia) el 25 de septiembre de 1903, Mark Rothko (nacido Marcus Rothkowitz) emigró a los Estados Unidos con su familia en su juventud. Inspirado para emprender el arte en el otoño de 1923, inició su carrera artística pintando vida urbana, retratos, desnudos y paisajes. Su interpretación del espacio arquitectónico se apoyó en técnicas de composición abstracta, explorando la relación entre la pintura y el espectador, aspecto que jugaría un papel fundamental en sus obras futuras.
A principios de la década de 1940, Rothko pasó de pintar lo figurativo a lo simbólico, explorando temas como la profecía, los mitos antiguos, el ritual arcaico y el inconsciente. Inspirado por el método surrealista de dibujo automático, Rothko comenzó a ahondar en imágenes más abstractas, graduándose casi por completo a la abstracción a fines de la década de 1940. Sin impedimentos por lo figurativo o simbólico, Rothko tiñó el lienzo con pintura al óleo diluida, reproduciendo formas y formas con bordes suaves e indistintos, algunos delineados por luminosos halos blancos.
No. 3 No. 13, 1949 Crédito de la foto: Sharon Mollerus en Flickr
Rothko llegó a su estilo característico en la década de 1950. Sus extensiones de tonos graduados y luz etérea parecían suspender vibrantes cuadrados y rectángulos sobre planos de color activos. Hacia fines de la década de 1950, Rothko comenzó a pintar en una paleta cada vez más oscura y restringida.
No. 9 (Tierra oscura sobre la luz / Violeta y amarillo en rosa), 1954 Crédito de la foto: G. Starke en Flickr
En 1964, Rothko recibió el encargo de una serie de pinturas para una capilla no confesional en Houston, Texas, un espacio ideal para sumergirse en sus lienzos rígidos y contemplativos. Inauguradas en 1971, las pinturas tardaron 6 años en completarse. Sin embargo, lamentablemente, Rothko nunca vio la culminación del espacio. Se suicidó en su estudio el 25 de febrero de 1970. Tenía 66 años.
Black on Dark Sienna on Purple, 1960 Crédito de la foto: G. Starke en Flickr
Hacer fotos inspiradas en el arte de Mark Rothko
La pintura y la fotografía son dos medios diferentes, lo sé. Existe una separación significativa entre el pincel y la cámara (aunque también hay algunos puntos en común). Creando obra fotográfica inspirado de las pinturas de Rothko no se trata de mimetismo, se trata de probar diferentes estilos y técnicas. Si bien este artículo analiza formas de abordar la fotografía que refleja las pinturas de Rothko, no es necesario que termine con una copia exacta de Negro sobre siena oscura sobre violeta, 1960 (¡Seguro que no!).
A través de los elementos y principios del arte y el diseño, Rothko creó un trabajo que se comunica más allá de la vista. Utilizando los mismos principios, los fotógrafos pueden crear trabajos inspirados en Rothko que desafíen al espectador y juegue con el concepto de fotografía y artes visuales.
Usando color
Cuando se lo describió únicamente como un colorista, Rothko dijo: "si solo te conmueven las relaciones de color, estás perdiendo el punto". Rothko usó el color como un camino para darse cuenta de lo invisible. Mirando más allá del evento del color como un fenómeno óptico, Rothko construyó visiones oscilantes impulsadas por nuestras concepciones innatas del color.
Al igual que Rothko, los fotógrafos utilizan el color como una herramienta para transmitir una imagen más allá de la vista. Nuestras asociaciones con el color se derivan de la experiencia y el instinto. Enfatizar el color sobre un tema literal no solo transmite relaciones de color; comunica emoción e inefabilidad.
Capturar fotografías imbuidas de color es bastante simple, pero puede requerir un poco de exploración. Busque planos planos de color sólido o graduado. Superficies urbanas aparentemente aburridas como puertas, paredes o paneles cobran vida dentro del marco de la cámara. Trate de incluir la menor evidencia objetiva posible, articulando la carga emocional del color sin la alteración de otros detritos visuales.
El color en esta imagen rompe el espacio, transmitiendo significado a través de nuestras asociaciones inherentes.
Fotografía desenfocada
Otra forma de ejemplificar el color es a través de la fotografía desenfocada. Rothko creó una vibración visual dentro de sus pinturas al difuminar los bordes de sus colores y formas. Este efecto se puede volver a imaginar desenfocando la lente de la cámara (primero apague el enfoque automático) antes de tomar una fotografía. La fotografía desenfocada crea una calidad pictórica que enfatiza el color sobre el tema. En lugar de tomar fotografías nítidas, la fotografía desenfocada libera los bordes de los componentes que componen una escena, creando un movimiento único en toda la imagen.
La fotografía desenfocada enfatiza el color, creando un movimiento único en toda la imagen.
El expresionismo abstracto de Rothko
Aunque el propio Rothko hizo caso omiso de las clasificaciones, su trabajo generalmente se clasifica como expresionista abstracto. Desarrollado en Nueva York en la década de 1940, el expresionismo abstracto se refiere a un movimiento de pintores predominantemente no representativos. Ni completamente abstracto ni completamente expresionista, el expresionismo abstracto abarcó una amplia variedad de estilos y técnicas. Sin embargo, en general, los practicantes del expresionismo abstracto se mantuvieron unidos en su deseo de reinventar la naturaleza de la pintura.
El expresionismo abstracto se entiende hoy dividido en dos campos: los pintores de acción y los pintores de campo de color. Considerado miembro de este último, Rothko dio prioridad a los austeros lechos de color sobre la marca salvaje y diacrítica. Los bloques serenos de Rothko generan un aura emocional predominantemente a través de la forma, el color y la línea. Son estos preceptos básicos los que se han traducido en fotografía abstracta.
Como la pintura abstracta, la fotografía abstracta opera independientemente de representar el objetivo. Como resultado, los fotógrafos abstractos enfatizan la no objetivo, quitando el literal para exponer la esencia de una imagen. Más allá del lenguaje, la abstracción investiga lo visual, descarta lo literal y carga una imagen de potencialidad.
La fotografía aérea cultiva la abstracción a través de la distancia. La fotografía macro abstracta se acerca a un tema para revelar planos a menudo invisibles. Como las pinturas de Rothko, lo que excluir de una fotografía es tan importante como lo que incluir. Al convertir su lente en formas, formas, colores, texturas y líneas fuertes, se cultivan imágenes que atraviesan la esencia del lenguaje visual.
La fotografía abstracta opera independientemente de la representación del objetivo.
Movimiento
A través de extensas capas, mezclas y difuminaciones, Rothko manipuló estructuras de color de bordes duros en formas crudas pero suavemente trascendentes.
El movimiento intencional de la cámara (ICM) utiliza los mismos principios de movimiento dentro de una fotografía. A través del movimiento, ICM reduce un sujeto a forma, color y línea, creando un estudio abstracto del movimiento y la luz. Similar a la pintura, ICM implica el movimiento físico de la cámara durante una exposición. Además, al igual que las acciones de Rothko documentadas en los trazos de un pincel, ICM crea una obra de arte que está visible e inextricablemente vinculada a la experiencia del fotógrafo.
Para tomar una fotografía ICM, primero, desactive el enfoque automático y, si lo tiene, la estabilización de imagen. Configure su cámara en Prioridad de obturador, ajuste su tiempo de exposición a alrededor de 1/2 de segundo y baje su ISO al ajuste más bajo en su cámara. Cuanto mayor sea la velocidad de obturación, más borroso se verá el sujeto.
Apunte su cámara a un sujeto, presione el obturador y mueva físicamente la cámara. Una vez que se cierra el obturador, revise el resultado en su pantalla LCD. Su movimiento se registrará como líneas borrosas dentro de la imagen.
La naturaleza de ICM es que es simple y experimental: se necesitan algunos ajustes para perfeccionarlo. Explore diferentes combinaciones de tema, hora del día, enfoque, velocidad de obturación, apertura y movimiento para crear una imagen con la que esté satisfecho. Además, ¡no olvide usar la correa de su cámara!
Conclusión
Al decir una vez que “la pintura más interesante es aquella que expresa más lo que uno piensa que lo que ve”, Rothko cambió la forma en que se hace y se observa el arte. Ahora, con la llegada de la fotografía digital, tenemos nuevas formas de comunicarnos visualmente.
Sin embargo, las reflexiones de Rothko sobre el espíritu humano continúan resonando como una pausa vital entre el volumen visual. A través de su uso del color, el expresionismo abstracto y el movimiento, el trabajo de Rothko trasciende los medios artísticos, informando e inspirando la práctica contemporánea actual.