por Declan O'Neill.
En mi época de estudiante se me pidió que leyera un libro llamado El espejo y la lámpara por M. H. Abrams. En ese momento, parecía una lectura bastante aburrida sobre la tradición romántica y la crítica literaria. El libro sostiene que, antes del movimiento romántico, los artistas simplemente mostraban un espejo a la naturaleza. Su trabajo era reflejar con precisión lo que veían. Con la llegada de los románticos, el artista se transformó en alguien sosteniendo una lámpara para iluminar la escena con su propia pasión y visión. Por alguna razón, nunca logré olvidar por completo este libro y su verdadero significado surgió solo años después, cuando comencé a cuestionar lo que estaba haciendo como fotógrafo.
Después de muchos años de usar mi cámara, me di cuenta de que la mayoría de las fotografías que tomaba eran solo reflejos del mundo que se me presentaba. Era casi como si las fotografías se hubieran tomado al azar: una bonita puesta de sol aquí, un resplandeciente paisaje nevado allá. Si quisiera ser más que un espejo, ¿cómo podría usar una lámpara para iluminar mi tema? Sin embargo, la idea de convertirme en un visionario con una cámara no me atraía porque creo que las imágenes deberían estar solas sin la presencia del fotógrafo proyectando una sombra sobre ellas.
Escaneo cortesía de Masters of Photography
Cuando estudié el trabajo de los fotógrafos que admiraba, una cosa se destacó. Al principio pensé que era una cierta ambigüedad: vería una cosa y mi amigo vería otra. Entonces me di cuenta de que lo que estábamos viendo era simplemente el poder de la metáfora. La imagen fue compuesta de modo que hubiera espacio para darle forma a nuestro propio significado. No era ni un espejo ni una lámpara. La imagen era una cifra que permitía a cada espectador decodificarla a su manera.
Dudo que algún fotógrafo se proponga deliberadamente crear metáforas a menos que estén filmando material para bancos de imágenes. Ya sabes el tipo de cosas: un hombre en traje de negocios de pie en la cima de una cordillera con una computadora portátil en la mano y mirando la puesta de sol. Las metáforas en nuestras fotografías son generalmente involuntarias. Cuando hablamos de metáforas, en realidad estamos diciendo que esas imágenes tienen un significado para nosotros más allá de su tema. Para ayudar a explicar el papel de la metáfora en la fotografía, necesito hablar de pintura.
Descubrí la pintura por primera vez a los veinte años a través de las obras de los pintores impresionistas. Me enamoré de la delicada suavidad de las mujeres de Renoir y de los complejos colores de los paisajes de Monet.
Todavía me gustan, pero ya no satisfacen. Cuando tenía cuarenta y tantos años, fui a una exposición de autorretratos de Rembrandt en la National Gallery de Londres. Fue una experiencia que transformó mi visión del arte para siempre.
Las pinturas trazaron la cambiante visión de Rembrandt de sí mismo. Comenzando como un joven dandy bien vestido de unos veinte años, las pinturas pasaron de la mediana edad a estudios dolorosamente honestos de sí mismo como un anciano. Su técnica de pintura cambió de elegante y elegante a tosca, casi tosca. Su proceso se alteró deliberadamente a medida que su tema se volvía tosco con la edad. Curiosamente, su técnica era una metáfora del proceso de envejecimiento que estaba observando en sí mismo.
Puede parecer un largo camino desde esta idea hasta el arte de la fotografía pero, en realidad, no lo es. Muchas fotografías que veo en la web son hermosas en la forma en que el arte impresionista es hermoso. Sin embargo, me dejan con ganas de más.
De vez en cuando veo trabajos que son crudos y viscerales y que rompen todas esas reglas sensatas que se supone que debemos seguir. Habla de una implicación total con el tema pero, más que eso, me hace plantear preguntas. Con Rembrandt me di cuenta de que no solo estaba mirando un autorretrato. Estaba viendo a un hombre que aceptaba su propia mortalidad. Más que eso, me hizo mirarme a mí mismo y examinar mi propio viaje desde la juventud hasta la edad.
Con algunas fotografías discernimos que la imagen tiene un mensaje oculto. Estas imágenes a menudo desencadenan alguna referencia interna y nos hablarán únicamente en un idioma que entendemos. Quizás sea inexacto hablar del lenguaje secreto de la fotografía. No es tanto secreto como intensamente personal. Como fotógrafos, controlamos la composición y la técnica, pero esto es solo el comienzo de lo que hacemos. Nuestro mejor trabajo a menudo ofrece capas de significado que quizás nunca hubiéramos imaginado.
Declan O’Neill es un fotógrafo profesional que vive en la Isla Sur de Nueva Zelanda.
sitio: www.newzealandlandscape.com