A principios de año, mientras navegaba por una lista de fotógrafos en Google Plus, encontré una fotografía que me llamó la atención. Una joven de mejillas sonrosadas, grandes ojos muy abiertos y una expresión seria en su rostro estaba de pie contra una pared empapelada verde vestida con una chaqueta roja brillante mientras sostenía un tazón de cerezas.
La imagen fue impactante en muchos niveles: el sujeto, el color, la pose, el estilo de la imagen y lo que evocaba a un nivel emocional me hicieron mirar dos veces.
El fotógrafo era Bill Gekas y un vistazo rápido al resto de su trabajo reveló algunas imágenes hermosas con un estilo distintivo y atención al detalle.
Hoy estoy emocionado de presentar una entrevista con Bill Gekas, así como algunas de sus hermosas imágenes. Bill vive en Melbourne, Australia. Vea más de su trabajo en su sitio web y blog. Conéctese con él en Twitter y Google+.
Bill, ¿puedes contarnos un poco sobre tu cambio de la película a la fotografía digital? ¿Cuándo y por qué hiciste el cambio?
Mi transición de la película a la digital ocurrió en 2005. Hasta entonces, estaba filmando principalmente en color de 35 mm tanto positivo como negativo y haciendo mi propio revelado e impresión en el cuarto oscuro a partir de una película de 35 mm en blanco y negro negativo. Por muy buenos que hayan sido los procesos tradicionales en ese momento, el cambio a la captura digital y el posprocesamiento abrió un mundo completamente nuevo que realmente simplificó el proceso en gran medida.
¿Qué impacto tuvo este cambio en su trabajo?
¡Esto tuvo el impacto más positivo en mi trabajo donde descubrí que finalmente podía crear las imágenes en mi mente sin gastar tiempo y dinero usando procesos tradicionales! La captura digital simplificó el flujo de trabajo hasta el punto en que las herramientas y el flujo de trabajo ahora eran una parte transparente del proceso creativo y no se interponían en el camino, ¡se sintió realmente liberador en ese sentido y fue muy bienvenido!
¿El retrato ha sido siempre un foco importante de tu fotografía? Si no es así, ¿por qué es algo en lo que parece concentrarse tanto hoy?
El retrato se convirtió en mi género principal casi al mismo tiempo en 2005. Hasta entonces realmente estaba fotografiando un poco de todo, pero después de descubrir algunos retratos increíbles de los grandes fotógrafos del pasado, me di cuenta de que los sujetos de estas conocidas fotografías, aunque estaban completos extraños se habían conectado conmigo, los retratos eran espeluznantes, casi surrealistas y fue entonces cuando supe que iba a ser un retrato, un retrato con una estética de bellas artes y un estilo creativo donde podría fusionar referencias históricas ya sea luz, atrezzo o atmósfera con un expresión contemporánea más moderna del tema.
Tu trabajo más reciente tiene un estilo muy distinto. Dudo en etiquetar el trabajo de otro fotógrafo, pero ¿cómo lo describe?
Este estilo generalmente se define como retrato de bellas artes y encontrará que carece de las expresiones de sonrisa más sinceras, de alto tono y habituales de los sujetos del retrato moderno que están de moda en este momento en muchos estudios de retratos. Se trata de un estilo de retrato más emotivo y creativo que resulta atractivo para cierto tipo de público.
¿Puedes hablarnos un poco sobre qué te ha atraído de este estilo de fotografía?
¡Su naturaleza emotiva, atmosférica, casi surrealista! Es el tipo de expresión que su sujeto le dará y permanecerá con usted mucho tiempo después de haber visto la imagen. Creo que el retrato puede alcanzar un nivel en el que ya no vemos la imagen, sino que realmente la sentimos, y esto se reduce esencialmente a la fuerza de la conexión entre el sujeto y el fotógrafo / espectador.
Su trabajo me parece bastante meticuloso. ¿Cuánto trabajo se dedica a la preparación de tu fotografía? ¿De dónde provienen las ideas y qué pasos sigue para hacer realidad la idea?
Con este tipo de fotografía de configuración, normalmente tomo la foto antes de ejecutar la toma. Lo que esto significa es que la foto ya se tomó en mi mente, generalmente días antes, y luego es solo una cuestión de trabajo de preparación. Este método me permite tener todos los aspectos del rodaje y el posprocesamiento resueltos hasta el punto en que el tiempo de investigación y preparación puede ser el 90% del tiempo que se dedica y el 10% restante del tiempo real está en el rodaje mismo. .
La clave para realizar un rodaje como este es tenerlo todo planeado antes de que el sujeto entre en escena, la iluminación, los accesorios, la composición, etc. Desde el pensamiento hasta el final de la toma post procesada lista para exhibir, una toma típica puede promediar un total de 8 horas.
Muchas de las ideas provienen de mi apreciación de las obras de los viejos maestros pintores. Caravaggio, Vermeer, Rembrandt, Raphael, Velázquez, etc. Pero también encuentro mucha inspiración viendo películas extranjeras donde las escenas cinematográficas juegan un papel destacado. La fusión de estos mundos ayuda a crear un retrato atmosférico.
Por supuesto, cualquier película de Jean-Pierre Jeunet también genera inspiración para crear, y siempre llevo un cuaderno con bocetos e ideas mías.
¿Qué cámara y equipo de iluminación usas para una sesión típica?
Actualmente disparo con una cámara réflex digital Pentax K5 y una variedad de lentes prime Pentax y un zoom de 16-45 / 4. No hay ninguna razón en particular para usar esta marca que no sea tener algunas lentes antiguas del pasado que todavía puedo usar en sus últimos cuerpos dslr.
Mi bolso de la cámara es bastante modesto en comparación con mi bolso de iluminación. La iluminación es clave para muchos de mis trabajos y tengo muchos flashes, una luz estroboscópica de estudio Einstein, modificadores de luz, reflectores, disparadores de rf, etc. La mayor parte de mi trabajo de estudio en interiores generalmente se ilumina con una caja de luz de 28 ″ como luz clave, a veces segundo flash con un punto de cuadrícula que apunta al fondo para iluminarlo y un reflector blanco en el lado opuesto del sujeto para llenar algunas áreas de sombra.
En una sesión al aire libre, normalmente solo usaré una luz modificada por un modificador de tipo circular que es un octabox de tamaño mediano o un paraguas. Trato de salirme con la mía usando flashes debido a su versatilidad y solo usaré la luz estroboscópica de Einstein si necesito dominar el sol del mediodía.
¿Podrías compartir con nosotros una imagen que hayas tomado recientemente y explicarnos la idea y cómo la tomaste?
Pañuelo rojo (arriba): esta foto fue tomada recientemente en un ambiente al aire libre no muy lejos de donde vivo. En realidad, es una pequeña pista para bicicletas de grava que corre junto a un arroyo. La idea de este rodaje surgió de una escena de tipo similar que vi no mucho antes en una película, era diferente, por supuesto, pero siendo finales de otoño y principios de invierno aquí en el hemisferio sur, quería retratar la temporada y esto lo iba a lograr usando el fondo y la selección del vestuario.
La chaqueta gris y la boina tenían que conectar con un elemento de la escena que era el camino de grava, el follaje de colores cálidos debía retratar la temporada y el elemento más importante de la escena es el pañuelo rojo que atrae nuestra mirada hacia el punto de interés que es el tema. A veces es importante utilizar colores fuertes para dibujar y anclar nuestra mirada al punto clave de interés, la condición, por supuesto, es que funciona en la escena y complementa los otros tonos sin verse fuera de lugar.
Técnicamente, esta es una toma simple en f4.0, 1 / 60s a media tarde en plena sombra. La distancia focal fue de 28 mm aps-c, que es de aproximadamente 42 mm en un sensor de fotograma completo. La luz era solo un flash de 1/4 de potencia disparado a través de un disparo blanco a través de la cámara del paraguas a la derecha.
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