Lo que alguna vez fue un pequeño nicho extraño en la fotografía ahora es un fenómeno mundial. La fotografía de alimentos solo está creciendo en popularidad si los 32 millones de publicaciones que se encuentran actualmente en Instagram son algo para seguir.
La fotografía gastronómica llegó para quedarse, pero no es un género fácil de dominar.
Nuestra guía le brinda algunos de los mejores consejos y trucos para ayudarlo a obtener resultados deliciosos.
Equipo
Cámaras
Lo primero en lo que debe pensar cuando está buscando un nuevo cuerpo de cámara es el tamaño del sensor.
Ya sea que decida comprar una cámara con un sensor recortado o invertir en un fotograma completo, su presupuesto probablemente determinará su elección.
Lo importante que debe saber es que su cámara y lentes se comportan de manera diferente cuando tienen un sensor recortado que uno de fotograma completo.
Cada cámara tiene un factor de recorte. Este es un número que se utiliza para describir cuánto está recortando la cámara su imagen en relación con el estándar de 35 mm.
Una cámara de fotograma completo coincide con el estándar recortado de 35 mm de una cámara de película tradicional. Tiene un tamaño de sensor de 24 mm x 36 mm. Un sensor recortado es más pequeño que este y, por lo tanto, es más barato de fabricar para los fabricantes de cámaras. No coincide con muchos lentes y las imágenes finales se ven diferentes.
La Canon Rebel, por ejemplo, tiene un factor de recorte de 1,6. Esto significa que multiplica 1,6 veces la distancia focal de su lente para obtener la distancia focal real a la que parecerá que se tomaron sus fotografías.
En una cámara de fotograma completo, una lente de 50 mm se comporta como una de 50 mm. Pon esa misma lente en una cámara con un sensor recortado, se comporta más como una de 80 mm.
Lentes
Las lentes son donde debería gastar la mayor parte de su presupuesto. Debería verlos como una inversión a largo plazo en su oficio.
Estos son los factores a considerar:
Nitidez
Su mayor preocupación al comprar una lente es la nitidez.
Se prefieren los lentes prime al fotografiar alimentos porque son más nítidos que los lentes con zoom.
Los objetivos con zoom tienen más partes móviles que permiten que el zoom funcione. Esto tiende a resultar en una menor calidad de imagen y nitidez.
Los lentes Prime suelen ser "más rápidos". Tienen una apertura máxima más grande, lo que permite velocidades de obturación más rápidas.
También le brindan una profundidad de campo mucho más ajustada, lo que le permite aislar al sujeto y obtener ese fondo borroso realmente agradable que todos amamos en la fotografía de alimentos.
La lente de 50 mm
La lente de 50 mm también puede ser una lente útil, especialmente si no tiene un zoom. Esta lente es buena para tomas aéreas y paisajes de mesa. Sin embargo, puede producir cierta distorsión al realizar una toma de estilo retrato. En la fotografía de alimentos, el 50 mm se considera un objetivo gran angular.
El 50 mm f / 1.8 a menudo se conoce como el "ingenioso cincuenta" porque le brinda resultados decentes a un precio muy bajo. Si recién está comenzando y su presupuesto es ajustado, obtenga este.
La lente de 24-70 mm
Aunque los primos son ideales, en realidad es muy útil tener una lente de zoom en su kit, como una de 24-70 mm.
Es muy nítido para un objetivo con zoom y realmente versátil. Muchos fotógrafos de alimentos lo consideran un elemento básico en su kit.
El macro de 60 mm
Si dispara con un sensor recortado, una macro de 60 mm es una excelente opción.
En un sensor recortado, es más como tener un sensor de 100 mm. Si actualiza a fotograma completo, puede usarlo como lo haría con uno de 50 mm.
Esta lente le permite obtener tomas de vista de 3/4 de ángulo de su sujeto con un agradable bokeh en un sensor recortado.
Tampoco obtendrá la distorsión en este ángulo que tendría al disparar con una distancia focal más amplia, como 50 mm.
El macro de 100 mm
Una lente excelente para tener en su equipo es una lente macro de 100 mm. Esta lente no es solo para macro o primeros planos, aunque también es excelente para esto.
Al alejarse más de su set, también puede obtener muy buenas tomas de estilo retrato. La distancia focal le dará un gran fondo borroso.
Si opta por la lente macro de 100 mm / 105 mm en un sensor recortado, disparará a una distancia focal de 150 mm.
Este será un cultivo muy ajustado, lo que puede ser un problema si el espacio es un problema.
Trípodes
Un trípode es un deber para fotografía gastronómica. Te ayuda a crear imágenes consistentes y libera tus manos para diseñar de acuerdo con lo que ves a través de tu cámara.
El mayor requisito de un trípode es la estabilidad. Un trípode debe poder soportar el peso de su cámara y lente.
Cuando compre un trípode, busque uno con altura y orientación ajustables. Aquí es donde tienes una columna central que puedes mover.
Asegúrese de que tenga patas de goma para evitar deslizamientos y de que tenga una gran carga útil.
La carga útil se refiere a la cantidad de peso que el trípode puede soportar. Debe soportar el peso de su cámara, lente y cualquier otra adición, como un soporte o brazo de extensión.
Peinado de alimentos
El objetivo del estilo de los alimentos es hacer que los alimentos se vean de la mejor manera. La mayoría de los alimentos necesitan un poco de cuidado para que luzcan presentables para la cámara.
Aquí hay algunas cosas a considerar al abordar el estilo de alimentos:
Use la comida más fresca posible
La comida que filme debe ser lo más fresca posible para que se vea atractiva en sus imágenes. Cuando compre sus ingredientes, asegúrese de comprar los artículos más frescos y atractivos disponibles.
Tenga siempre lista la escena, la iluminación y la cámara antes de colocar la comida en el set.
Cuando esté ajustando la iluminación y la configuración de la cámara, use un sustituto en un color y forma similar a su comida como sustituto. Reemplácelo con su “héroe” (su principal tema alimenticio) en el último momento, para que se vea lo más fresco y apetitoso posible.
Compra más de lo que necesitas
Cuando compre alimentos, asegúrese de comprar más de lo que cree que necesitará para la sesión. Los alimentos se secan, se derriten, se vuelven marrones o comienzan a parecer poco atractivos en poco tiempo.
Necesita ser reemplazado por artículos más frescos.
Dependiendo de la comida, es posible que también necesite muchos elementos para llenar el marco.
Enchapado
El factor más importante a la hora de elegir los platos sobre los que presentarás tu comida es el tamaño.
Los objetos pueden verse muy diferentes a la cámara que a los ojos y, a menudo, se ven más grandes de lo que esperamos. Por esta razón, es una buena idea elegir platos más pequeños de los que normalmente usaría.
Presente sus temas en platos de ensalada o platos más pequeños. Los platos grandes pueden empequeñecer al sujeto principal y dominar el encuadre.
Guarnaciones
Las hierbas y especias, y elementos como los picatostes, pueden mejorar sus tomas de comida.
Se pueden atar ramitas de varias hierbas como el romero con hilo de cocina para hacer pequeños ramos que puede usar para agregar contexto a su historia de comida.
Puede realzar un plato de sopa simple con un chorrito de crema y una pizca de cebollino picado.
La clave es que sus aderezos deben tener sentido dentro del contexto más amplio de su escena. Si va a disparar salmón con salsa de limón y eneldo, no lo adorne con albahaca.
Cuando use hierbas, use las más frescas posibles y reemplácelas mientras dispara. Se marchitan u oxidan rápidamente. Las hierbas cortadas se pueden mantener frescas en el refrigerador por más tiempo si se envuelven en una toalla de papel húmeda.
Accesorios
Necesitas tener una colección de accesorios para fotografía de alimentos.
Un accesorio es cualquier elemento que uses en el set para mejorar la imagen. En la fotografía de alimentos, se trata típicamente de utensilios de cocina, como platos y cubiertos, tazones y utensilios para servir y ropa de cama.
Al seleccionar sus accesorios, piense en su estilo de fotografía de alimentos y qué tipos de accesorios lo complementarían.
Si su estilo es realmente limpio y elegante, o más refinado, tales accesorios no tendrían mucho sentido y estaría mejor con piezas más delicadas.
En general, manténgase alejado de los colores muy brillantes y los patrones llamativos, ya que distraen la atención de la comida. Las piezas coloridas pueden agregar un punto de interés, pero deben trabajar con la composición general y la sensación de la foto.
No uses muchos accesorios. Un par de los accesorios adecuados pueden tener un gran impacto al contar una historia visual, pero demasiados distraerán al espectador y dominarán la imagen.
Al seleccionar sus accesorios, comience con una o dos piezas, tal vez un plato de ensalada neutral y un cuchillo o cuchara vintage. En caso de duda, manténgalo simple.
Antecedentes
Necesitará una variedad de fondos interesantes en los que colocar su comida.
Use una variedad de elementos para sus fondos, como tela, papel para manualidades o baldosas grandes. También puedes ser creativo y hacer el tuyo propio.
Compre láminas de madera y píntelas o tíñelas usted mismo. También hay excelentes recursos en línea para comprar fondos profesionales de fotografía de alimentos y se envían a todo el mundo.
Al fotografiar alimentos, los fondos de tonos neutros o fríos como el azul suelen funcionar mejor.
Encendiendo
Modificadores de iluminación
Ya sea que use luz natural o artificial, deberá modificar su fuente de luz.
Un elemento importante de su kit es un difusor. Este es un panel de material blanco puro que colocas en el borde de tu mesa para suavizar la luz que llega a tu escena.
También necesitará algunas herramientas simples para rebotar y absorber la luz. Puede comprar un kit reflector profesional 8 en 1, con discos plegables en una variedad de materiales para usar en sus tomas, como se muestra a continuación.
El reflector plateado, por ejemplo, puede iluminar su comida, mientras que el reflector dorado agregará calidez. Por lo general, también viene con un difusor.
Para una versión de bricolaje, también puede usar cartón blanco o negro simple comprado en una tienda de manualidades o un dólar. El blanco ilumina tu escena, mientras que el negro absorbe la luz.
Estilos de iluminación
Debes tener una idea de cómo quieres que se vea tu imagen final antes de levantar tu cámara. ¿Quieres que la luz se vea suave y dimensional, o buscas un contraste llamativo?
Cuanto mayor sea el contraste entre la luz y la oscuridad, más dramática será su imagen. A menudo, su sujeto dictará la luz que elija.
La próxima vez que dispare, fotografíe al sujeto con luz suave y fuerte y observe la diferencia. ¿Cómo afecta cada enfoque al resultado final? Muchos fotógrafos tienden a inclinarse hacia uno u otro como parte de su estilo.
Iluminación lateral
Esto es cuando su luz viene directamente al lado de la comida.
La iluminación lateral es un buen enfoque para muchas de sus fotografías de alimentos. Funciona para la mayoría de las configuraciones y es fácil de usar.
Coloque un reflector o una tarjeta de rebote en el lado opuesto a la luz. Dependiendo de la cantidad de sombra que desee en el costado de su comida, acérquela o aleje, o use un reflector más pequeño o más grande.
Al tomar escenas en blanco y aireadas, aún desea algo de sombra para agregar dimensión.
Contraluz
La luz de fondo es cuando coloca la luz detrás de la comida.
Si imagina la esfera de un reloj, son las 12 en punto. Esta es una posición ideal para bebidas o sopas, ya que agrega brillo y resalta las propiedades líquidas de los alimentos.
En general, la retroiluminación favorece mucho la comida. Lo hace brillar y resalta su textura.
Sin embargo, puede ser complicado trabajar con él porque puede hacer que la imagen sea demasiado brillante en la parte posterior y demasiado oscura en la parte delantera. Demasiado contraste significa que la parte posterior de la foto saldrá disparada, con una pérdida de detalle que se verá borrosa en el sujeto principal. Un contraste insuficiente dará como resultado una foto que se arruinará o que se verá descolorida, que es lo que sucede cuando se dispara con demasiada luz.
Retroiluminación lateral
La retroiluminación lateral es una combinación de los dos primeros tipos de iluminación. Es lo mejor de ambos mundos y el más fácil de trabajar. Aquí, nuestra luz se coloca entre las 10 y las 11 en punto.
Con este estilo de iluminación, obtiene el brillo de la superficie que proporciona la retroiluminación sin riesgo de sobreexposición. Tampoco es necesario que refleje tanta luz en el frente de la comida porque la luz llega en un ángulo mayor.
Cuando uses la retroiluminación lateral, tendrás que jugar con la altura de tu luz en relación con tu escena, dependiendo de cómo quieras que caigan las sombras.
Cuanto más cerca esté su fuente de luz de su equipo, más suave será la caída.
Angulos de camara
El ángulo de la cámara puede tener un efecto poderoso en su imagen final.
Antes de levantar la cámara, debe pensar en qué tipo de comida o plato está filmando y qué ángulo de la cámara ayudará a resaltar sus mejores características.
Hay tres ángulos de cámara principales que se utilizan al fotografiar alimentos: desde arriba, en ángulo de 3/4 o directamente.
El ángulo 3/4
El ángulo de 3/4 es cuando su cámara se coloca en cualquier lugar entre 25 y 75 grados en relación con su sujeto.
El ángulo de 3/4 es un ángulo popular porque es muy versátil. Por lo general, puede mostrar el frente y la superficie del plato, así como los lados.
Este ángulo se ve mucho en la fotografía comercial de alimentos.
El ángulo de arriba
El ángulo superior es el ángulo de 90 grados. Este se ha convertido en un ángulo muy popular últimamente debido a Instagram.
Este ángulo definitivamente tiene varios aspectos positivos. Es bueno para encajar varios elementos en una escena, como en un tablescape. Esto también lo convierte en un gran ángulo de narración. Puede ver una variedad de accesorios, ingredientes o platos de comida en el marco cuando dispara desde arriba. También suele ser más fácil componer la toma con este ángulo que con un ángulo de 3/4 o en línea recta.
Sin embargo, el ángulo superior no funciona para todos los tipos de inyección de comida. Elimina la profundidad, lo que le da un toque más gráfico a una imagen pero no es adecuado para todo tipo de alimentos.
Con el ángulo superior, lo que más resaltas es la forma de la comida y varios elementos de la escena.
El ángulo recto
Este ángulo de cámara recto es más adecuado para alimentos “altos”, como hamburguesas o montones de brownies o panqueques. Destaca la altura de un plato.
Cuando estás filmando hamburguesas y sándwiches, el panecillo o el trozo de pan superior oculta lo que hay dentro, por lo que no tiene sentido tomar la foto desde cualquier lugar por encima de la comida.
Recuerde, el objetivo es siempre centrarse en las mejores características de la comida.
Composición
Las herramientas de composición pueden ayudarnos a hacer mejores fotografías, sin embargo, no todas las herramientas funcionarán para cada imagen.
Antes de comenzar a disparar, conozca el objetivo de su imagen. ¿Cuál es el estado de ánimo? ¿Qué es lo que quieres transmitir? ¿Cuál es el propósito de su inyección y cómo se utilizará?
La buena fotografía gastronómica evoca las emociones del espectador. La composición es una de las principales herramientas que nos ayudan a hacer esto.
Línea
La línea es el elemento más básico en la composición visual. Las líneas llevan el ojo a través de una fotografía a puntos focales y elementos clave y mantienen el ojo del espectador enfocado en la imagen.
Hay un par de cosas que debe tener en cuenta al trabajar con líneas. Cuando se utilizan líneas para dirigir la mirada del espectador, deben apuntar al sujeto principal o al encuadre.
Las líneas tampoco deben apuntar nunca fuera del marco, ya que los ojos se verán obligados a abandonar la imagen. Esto debilita la imagen y puede hacer que el espectador pierda interés.
Regla de probabilidades
La regla de las probabilidades establece que al fotografiar un grupo de objetos, tener un número impar de elementos en el marco es mucho más interesante visualmente que tener un número par de elementos.
Los números impares crean una sensación de equilibrio y armonía y proporcionan un punto de descanso para nuestros ojos, mientras que un número par de objetos puede dividir nuestra atención y competir entre sí.
Cuando hay más de cinco elementos en una imagen, a la mente le resulta difícil registrar el número más alto. Por este motivo, es una buena idea componer muchos elementos en grupos de números impares siempre que sea posible.
Regla de los tercios
La regla de los tercios está destinada a ayudarlo a ubicar los elementos principales y el punto focal dentro de la composición.
Piense en una cuadrícula imaginaria que divide la imagen en nueve partes iguales, como una cuadrícula de tres en raya. La proporción es de 1: 1 por rectángulo.
Rule of Thirds es un gran lugar para comenzar. Ayuda a agregar armonía a sus imágenes y lo ayuda a dar los primeros pasos en la composición como nuevo fotógrafo. De hecho, puede funcionar para muchas imágenes, particularmente paisajes.
Sin embargo, cuando se trata de fotografía de alimentos, esta regla puede ser limitante. Puede terminar haciendo imágenes desequilibradas e incómodas.
La cuadrícula Phi es un concepto similar que es más poderoso que la regla de los tercios. Ambas cuadrículas se ven casi iguales, pero las líneas centrales de la cuadrícula Phi están más juntas.
La cuadrícula Phi
Cuadrícula Phi
El Phi Grid es una expresión del Proporción áurea. Le ayuda a crear una imagen equilibrada y naturalmente agradable.
La cuadrícula Phi sigue la proporción de 1: 1.618, una proporción que es una constante en la naturaleza y una hacia la que gravitamos automáticamente.
Aparece en todo el mundo natural, desde una concha de nautilus hasta la cantidad de pétalos de una flor.
Puede encontrar la proporción áurea en todas partes del mundo que nos rodea, aunque nadie puede explicar exactamente por qué existe de esta manera.
Puede utilizar este conocimiento en su fotografía. Pensar en cómo se mueve el ojo a través de una imagen e incorporar alguna expresión de la proporción áurea te ayudará a crear imágenes que el cerebro reconocerá como estéticamente atractivas y armoniosas.
Espacio negativo
El espacio positivo es el espacio ocupado por su tema principal. El espacio negativo es un área donde sus ojos pueden descansar. Proporciona equilibrio, un poco de espacio para respirar y enfatiza el tema.
El espacio negativo puede retratar el movimiento y dar contexto a una imagen. También puede darle al espectador la idea de que hay una historia más allá de lo que está viendo el ojo.
En la fotografía de alimentos, existe una tendencia a disparar con mucho espacio negativo debido a la ubicación del texto, particularmente cuando se trata de trabajos de revistas, empaques de productos o anuncios.
Cuando una imagen no utiliza el espacio negativo, puede resultar un poco claustrofóbica y desordenada. Además, cuando hay demasiadas cosas en una imagen, el espectador no está seguro de dónde buscar.
Repetición
Los elementos repetidos también agregan interés a una imagen. La repetición puede ocurrir espontáneamente en el sujeto o puede ser creada por elementos agregados como accesorios e ingredientes de apoyo.
A veces, los patrones pueden volverse monótonos, por lo que romper un patrón puede crear una fotografía más fuerte.
Hay varias formas de crear un patrón de ruptura, como con una ruptura de color, forma, tamaño o textura. El lugar donde coloque este descanso es crucial; desea colocarlo en uno de sus puntos focales o en las líneas que se cruzan.
Color
El color es una parte importante de una composición. Evoca emociones y crea una sensación de estado de ánimo dentro de una imagen.
Los colores fríos y oscuros como el azul marino y el negro retroceden, mientras que los colores claros o cálidos como el amarillo hacen que los objetos avancen.
Los fondos y los colores de la superficie que son demasiado brillantes pueden restar valor a nuestro sujeto; deben elegirse de acuerdo con el estado de ánimo que desea crear, así como en armonía con los elementos elegidos.
Las combinaciones de colores pueden ser monocromáticas cuando son variaciones tonales dentro de un solo tono. Este enfoque tiene su lugar, pero utilizar colores complementarios es una gran técnica para aplicar a la fotografía de alimentos.
Los colores complementarios aparecen directamente uno frente al otro en la rueda de colores, como el rojo y el verde o el azul y el naranja.
El esquema de color con el que elija trabajar dependerá, en parte, de la comida que esté filmando.
Sus colores también deben estar equilibrados en términos de no tener demasiados colores en un marco, lo que parecerá caótico.
Textura
Una de las mejores formas de agregar interés a sus fotografías es con textura. Agrega contraste y detalle y realza los temas alimenticios.
La textura se produce de forma natural en los alimentos, pero también se puede utilizar eficazmente en fondos y superficies, y en sus accesorios y ropa de cama, siempre que no esté exagerada.
Mucha textura en la comida, la ropa de cama y los fondos compuestos juntos pueden parecer demasiado ocupados y abrumar al espectador.
Editar sus imágenes
Lightroom de Adobe es un excelente programa de posprocesamiento. Es más intuitivo y más fácil de aprender que Photoshop.
Recomiendo usar Lightroom para hacer sus ajustes globales y luego ajustar su imagen en Photoshop si es necesario. Por ejemplo, si necesita trabajar en áreas específicas de la imagen.
Veamos las herramientas más importantes:
El histograma
Es importante tener un conocimiento básico del histograma para realizar los ajustes adecuados en la exposición y los tonos de su imagen.
Un histograma traza el rango tonal de una imagen. El brillo se representa en una escala de grises. A cada píxel de la imagen se le asigna un valor.
El negro está a la izquierda, mientras que el blanco está a la derecha. Puedes encontrar los tonos de gris en el medio.
La distribución de los tonos en el histograma le informará sobre la exposición general de la imagen.
Un gran pico en cualquiera de estas regiones significa que la imagen tiene muchos píxeles en esa densidad particular. Un espacio abierto en el histograma significa que no hay píxeles en esa densidad.
Compruebe si tiene un pico fuerte en el extremo blanco o negro del histograma. Si lo hace, su imagen podría estar subexpuesta o sobreexpuesta.
Generalmente, la mayoría de las imágenes se ven mejor si contienen valores tanto oscuros como claros. De lo contrario, es posible que carezcan de contraste y se vean planos.
Recortar
Es una buena idea recortar y enderezar la imagen antes de comenzar a realizar ajustes globales.
Para enderezar una imagen, comience en el Transformar panel y haga clic en -> Auto.
Si esto no funciona, puede probar una de las otras configuraciones o hacerlo manualmente en la Herramienta de recorte.
Para acceder a la herramienta Recortar en Lightroom, haga clic en el símbolo de la cuadrícula debajo del histograma en el panel superior. O golpear R para el atajo de teclado. Esto le permitirá recortar su imagen trayendo las esquinas con el cursor.
Tenga en cuenta que cuando el candado está cerrado en el símbolo de candado, la herramienta recortará cada lado de la imagen de manera uniforme.
Si desea realizar un recorte de forma libre, simplemente haga clic en él para desbloquearlo.
Balance de Blancos
El balance de blancos es un aspecto muy importante del posprocesamiento de las imágenes de alimentos.
Recomiendo disparar con una tarjeta gris y ajustar el balance de blancos en el posprocesamiento. Esto elimina los matices de color incorrectos y asegura que sus blancos sean verdaderamente blancos.
Una tarjeta gris es una pieza de plástico gris que puedes comprar en una tienda de suministros para cámaras. Es exactamente un 18% de gris, que es lo que busca su cámara al medir una escena.
Toma una foto con tu tarjeta gris en la escena. En Lightroom, tome el cuentagotas White Balance y haga clic en la tarjeta gris. Leerá automáticamente el balance de blancos adecuado.
El panel básico
Este panel es donde puede terminar haciendo muchos ajustes antes de decidirse por un aspecto final.
Exposición afecta el brillo del rango de tonos en su imagen, sin embargo, jugar con sus sombras y luces, y sus blancos y negros le brindarán un equilibrio de tonos más preciso que simplemente confiar en el control deslizante Exposición.
Compruebe si las áreas brillantes se ven embarradas o si las sombras aún necesitan más luz. Mueva los controles deslizantes a los puntos donde la imagen se ve bien en general.
Es probable que deba volver atrás y reajustar el control deslizante de exposición una vez que haya realizado modificaciones con los otros controles deslizantes.
Intensidad y saturación
Vibrance también es un control deslizante importante en la edición de fotografías de alimentos.
Es una mejor herramienta de edición que Saturación porque es más sutil. Ajusta los colores menos saturados sin intensificar los ya saturados.
La intensidad aumentará primero la saturación de los colores apagados y luego los otros colores.
Si realmente usa el control deslizante de saturación depende de la imagen. En general, un enfoque conservador es lo que funciona mejor al editar fotografías de alimentos.
Si decide usar este control deslizante, muévalo un poco hacia arriba, hasta aproximadamente +5 o +6.
Curva de tono
Los nuevos usuarios a menudo encuentran Curva de tono desafiante, pero es una de las herramientas más poderosas que se encuentran en Lightroom.
La curva de tono es un gráfico que muestra dónde se encuentran los tonos de las imágenes. El eje inferior de la curva de tono comienza con las sombras en el extremo izquierdo. Termina con Highlights en el extremo derecho. Los tonos medios caen en el medio, en un rango de más oscuro a más claro. Se vuelven más oscuros a medida que te mueves hacia abajo y más brillantes a medida que te mueves hacia arriba en el eje.
Puede controlar la claridad y la oscuridad de sus tonos. Ajustar el Curva de puntos sí mismo o el Curva de región.
La región tiene controles deslizantes para cada parte del rango tonal. A medida que arrastra cada control deslizante, la curva y la imagen cambian.
Para realizar ajustes con la curva de puntos, haga clic en el área que desea afectar. Esto creará un punto de anclaje en el que controlar el tono.
Arrastrar el punto hacia arriba aclara ese tono; arrastrarlo hacia abajo lo oscurece.
Evalúe los tonos medios en su imagen para ver si ya son brillantes. Si no es así, haga clic en el medio de la curva de tono y suba el punto.
Si son demasiado brillantes, baje la curva. Revisa las otras partes de tu imagen.
Si recién está comenzando a aprender la curva de tono, primero juegue con los controles deslizantes de región. Tome nota de cómo los distintos controles deslizantes afectan la curva.
Independientemente del enfoque que elija, asegúrese de observar el histograma a medida que realiza los cambios. De esta forma, se asegurará de no perder detalles importantes.
HSL
HSL significa Matiz, Saturación, y Luminancia. Aquí es donde equilibra los colores en Lightroom.
Los ajustes de color suelen ser más subjetivos que los ajustes de tono. Esto se debe a que el color le da a la fotografía una sensación de estado de ánimo.
Hay dos formas de realizar ajustes de color en este panel. Puede ajustarlos todos a la vez en HSL / Todos. O cada color individualmente debajo del Color pestaña en la parte superior del panel.
La Matiz La pestaña o sección en la parte superior del panel es donde usted elige qué tan cálido o frío desea que sea cada color en su imagen.
Por ejemplo, encuentro que los verdes casi siempre se ven mal. Deslizo los greens un poco más hacia la izquierda o hacia la derecha para que se vean más realistas.
Para agregar más calidez, es decir, más amarillo, a sus verdes, deslícelo hacia la izquierda. Para un tono más frío, deslizarlo hacia la derecha agrega más azul.
La Saturación El control deslizante del panel básico ajusta el color de toda la imagen. Pero los controles deslizantes de saturación aquí ajustan cada color individualmente.
Si ajusta un color para que esté más saturado, esto afectará la saturación de ese color en particular en toda la foto.
Ya sea que esté trabajando en el panel básico o en el panel HSL, la saturación requiere una mano ligera.
Finalmente, Luminancia afecta el brillo del color. Estos controles deslizantes son más valiosos que los controles deslizantes de saturación, así que trabaje con estos primero.
La edición en Lightroom tiene que ver con el equilibrio. Lo mismo ocurre cuando se trabaja con ajustes de Tono, Saturación y Luminancia.
Afilado
El afilado debe ser el último paso de edición. Agrega contraste entre píxeles y bordes, lo que crea definición y una apariencia más refinada.
Sin embargo, no es necesario aplicar nitidez a toda la imagen porque, en la fotografía de alimentos, no tiene mucho sentido enfocar los accesorios y el fondo.
La atención se centra en la comida, así que eso es lo que debes afilar.
Para hacer esto en Lightroom, enmascare la imagen para seleccionar las áreas de la imagen que desea enfocar. Mantenga presionado el Alt / Opción tecla mientras hace clic en Enmascaramiento en el Afilado panel.
Lightroom le mostrará dónde se aplica la nitidez en blanco. Su imagen se verá como una radiografía.
Deslícelo hacia la derecha. Cuanto más a la derecha vaya, menos nitidez se verá la imagen.
Descubrirá que estará en el rango de + 70-80 para la nitidez de la fotografía de alimentos.
En conclusión
Hay mucho que aprender cuando se trata de fotografiar comida, pero es de esperar que esta guía le haya brindado una descripción general de lo que está involucrado y algunas ideas sobre cómo puede mejorar sus imágenes.
Cuanta más información tenga, más empoderado podrá estar en sus decisiones creativas.
Sobre todo, mucha práctica es lo que te llevará al siguiente nivel en tu fotografía de alimentos.